Tanaka Music

Era de esperar un trabajo así. La trayectoria de Angelus Apatrida en los últimos años es abismal, y parece que fue ayer cuando publicaron sus primeras grabaciones. En 2001 editaron una powermetalera maqueta que tenía de nombre Lost in the Realms of Orchinodaemon y en 2003 un EP titulado Unknown Human Being, que se convertiría en el primero con la nueva y actual formación del grupo, y con su estilo thrash que podemos degustar hoy en día. En 2006 sacaron al mercado su primer álbum de estudio, Evil Unleashed, y se convirtió en el primer intento serio de lanzarse al estrellato en el panorama metalero español. Un año más tarde sacaron una maravilla, una obra de arte llamada Give ‘Em War que los catapultó a la fama internacional y al reinado del metal español como uno de los mejores grupos en el género. Personalmente, creo que es una joya del thrash metal. Con él, consiguieron conciertos por toda Europa y mucha fama, además de telonear a los grandes Arch Enemy en su paso por el país y un contrato internacional con Century Media. El siguiente regreso del grupo al estudio se materializó este año con Clockwork, la prueba definitiva para consolidarse como el máximo exponente español en el metal por todo el mundo. He aquí nuestra crítica sobre el disco.

Esperando nuestro veredicto…

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Uno de los hechos que más ha marcado este álbum es, sin duda alguna, la muerte de su batería The Rev a finales del año pasado. Ha sido una constante a lo largo de la creación de este disco y así se ha notado en el resultado final de las canciones e incluso en el de los videoclips. Como recordaréis, los chicos de Avenged Sevenfold anunciaron el año pasado que comenzarían con un nuevo disco. Más tarde y cogiéndonos de improviso a todos, su batería Jimmy Sullivan, más conocido como The Reverend (The Rev), apareció muerto. Las causas fueron esclarecidas muchos meses más tarde y se determinó que fue debido a una sobredosis accidental. Tras el shock inicial y las serias dudas en la continuidad del grupo, acordaron proponerle una cosa a cierta persona. El ídolo de The Rev era el batería de Dream Theater, Mike Portnoy, considerado uno de los mejores del mundo. Según parece, The Rev siempre decía que le gustaría que éste tocase por él si por alguna razón él no pudiese hacerlo en algún momento de la carrera del grupo. Por este mismo motivo le hicieron una atrevida propuesta a Mike: grabar con ellos el nuevo disco del grupo (disco ya en proceso) en lugar de The Rev. Mike accedió al momento. Se anunció también que tocaría con ellos en la gira de presentación del grupo (ahora mismo están a ello) y se acordó una fecha de lanzamiento del álbum en todo el mundo: el 27 de julio. Lo titularían Nightmare (seguramente porque para ellos el pasar por la muerte de alguien tan querido ha sido una pesadilla) y el primer single de presentación sería el homónimo, disponible desde el 18 de mayo. El álbum fue producido por Mike Elizondo y fue sacado al mercado bajo la discográfica Warner Bros. Es el quinto del grupo y aquí os traemos nuestra review.

Como no os guste el trabajo, ya os podéis ir preparando…

Así fue como tras un tiempo, nos llegó a redacción la primera canción, junto con las portadas del single y del disco, de nuevo con el símbolo de la muerte como condicionante. De primeras, la canción nos dejó contentos, pero no demasiado. Esta opinión cambiaría con el transcurso del tiempo y del número de escuchas de este nuevo álbum, yendo a mejor. Y así es la tónica general del disco. Resumiendo, han hecho un increíble trabajo. Muy bueno, realmente. La fuerza de voluntad que ha demostrado el grupo tras todos estos contratiempos ha sido enorme y todos los problemas por los que pasaron no han hecho que la calidad del trabajo bajase nada. Es más, seguramente haya mejorado. Nos encontramos con cortes muy a su estilo (metalcore), alguna canción muy thrash y baladas muy emotivas. No en vano, muchas de las canciones han sido creadas pensando en la figura omnipresente de The Rev, e incluso alguna canción contiene partes vocales del batería en los coros, grabadas en los comienzos del proceso de grabación. De hecho, en el videoclip de la primera canción, Nightmare, podemos ver que esto sigue presente y le hacen una mención especial al final.

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Hola a todos. Me llamo Tim McIlrath y me presento como nuevo becario en Tanaka Music. Ya sabéis, ese chico que lleva los cafés en redacción y tal. Para comenzar mi andadura no hostelera en el blog, os voy a presentar el nuevo disco de un grupo que a mi parecer, merece mucho la pena escuchar. Se trata nada más y nada menos de Parkway Drive y su álbum Deep Blue, que salió el pasado día 30 a la venta en EE.UU. y Canadá, el 29 en toda Europa y el día 25 en Australia y Nueva Zelanda (barren para casa los chicos).

La tubería del fondo nos mira con desconfianza…

Antes de hablar del disco, vamos a situar un poco al grupo, del que muy a mi pesar se ha hablado poco en el blog, y aquí estoy yo para darles su momento de gloria. Estos chicos australianos en el verano de 2002 se aburrían mucho y decidieron formar una banda orientada al metalcore, tomando el nombre de la calle en la que tenían el garaje donde ensayaban (llamada, obviamente, Parkway Dr., y situada en la bonita ciudad australiana de Byron Bay).

Como tampoco es plan de contaros su vida, os resumiré que tienen, a fecha de hoy, tres álbumes de estudio (Killing With A Smile, Horizons y Deep Blue, los dos primeros producidos por Adam D, guitarrista de Killswitch Engage), un EP (Don’t Close Your Eyes), dos splits (I Killed The Prom Queen / Parkway Drive: Split CD y What We’ve Built), y un DVD en directo (Parkway Drive: The DVD) que os recomiendo que veáis, porque aparte de ser caña bruta, contiene un minidocumental de los inicios del grupo y cuenta cómo, poco a poco, fueron ganando popularidad y que a mí me resulta bastante curioso.

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En 1987 se publicaba este Abigail de King Diamond, un álbum conceptual que se sitúa temporalmente en el verano de 1845 con algunos eventos previos que tomaron lugar el 7 de julio de 1777. Es decir, menos contemporáneo es cualquier cosa, pero no solo de noticias frescas vive Tanaka Music.

La historia detrás del álbum es una de esas típicas de terror y malrollismo que se les cuenta a los niños alrededor de una hoguera. Aunque es probable que mucha gente se ría de los temas que trata King Diamond la primera vez que se lo encuentra, una vez pasada esa fase se puede disfrutar de esta joya e incluso penetrar en la atmósfera de la misma. Apagad las luces y poned el disco a un volumen no demasiado alto, es mejor ser capaces de escuchar el resto de ruidos de la casa.

Detalles de la trama a partir de este punto.

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En una película, serie o videojuego, la música es algo esencial sin la cual no podríamos vivir las mismas experiencias, sentir lo que siente el protagonista, poder reír, llorar… Es imposible concebir algo así sin una buena banda sonora. Éste es el caso del nuevo videojuego en exclusiva para PS3, Heavy Rain.

Normand Corbeil: su música es mucho más conocida que él

En él tomaremos el papel de cuatro personajes para intentar descubrir al asesino del origami, que mata a niños con el agua de lluvia. Todo esto en una historia que viviremos como una especia de película interactiva de unas ocho horas de duración donde nuestras decisiones tendrán siempre su consecuencia y en la que habrá muchos giros inexperados y situaciones muy comprometidas.

Pero centrémonos en la música. El compositor a cargo del trabajo es el canadiense nacido en Québec, Normand Corbeil. Nominado a dos Emmy y ganador de un Jutra y dos premios Gémeaux, nos deja un total de 16 canciones a lo largo del juego, incluída una propia para cada protagonista de la aventura.

Todas las canciones rozan el drama (ya que es una historia dramática) y algunas de ellas nos someten a una presión imponente la cual nos hace ponernos en situaciones en las que hay que tomar una decisión rápidamente y el nerviosismo que podemos llegar a tener es muy alto. Esto hace que nos sobrecojamos por momentos y llegar a alterarnos fácilmente en las distintas fases de la historia, pudiendo al final conmovernos en un instante. El compositor y las mezclas de las canciones han llegado a conseguir esto: que en mismo trance podamos sentir múltiples emociones al mismo tiempo, hacernos llegar del más puro estado frenético de inquietud o excitación a un estado de tranquilo dramatismo en pocos segundos. Esto es posible.

No sé si podrá ser considerada por muchos una obra maestra y la música posiblemente necesite del juego para llegar a su máximo explendor. Pero al menos para mí es, sin duda alguna, una banda sonora sublime y perfectamente realizada, e incluso es posiblemente que sea el elemento más destacado del propio juego.

Nota: 9/10

Si queréis tener la oportunidad de tenerla aún sin poder jugar al juego, os dejo el enlace más abajo para descargarla y echarle un ojo.

Tracklist

1. Ethan Mars’ Main Theme (3:31)
2. Norman Jayden’s Main Theme (4:42)
3. Before the Storm (2:55)
4. Madison Paige’s Main Theme (3:31)
5. Scott Shelby’s Main Theme (6:01)
6. Lauren Winter’s Main Theme (3:07)
7. Painful Memories (1:29)
8. The Chase (Madison’s Action Soundtrack) (1:25)
9. Redemption (1:39)
10. The Bulldozer (Jayden’s Action Soundtrack) (1:34)
11. High Tension (Jayden’s Action Soundtrack) (1:17)
12. The Fight (Shelby’s Action Soundtrack) (1:31)
13. The Hold Up (Shelby’s Action Soundtrack) (1:28)
14. Looking for Shaun (Mars’ Action Soundtrack) (1:36)
15. Countdown (Mars’ Action Soundtrack) (1:33)
16. Last Breath (3:00)

Página oficial del autor | Last.fm | Descargar: Parte 1 | Parte 2

Pues por fin salió el quinto álbum de estudio de Finntroll, después de meses de insufrible espera, que encima se hacía cada vez peor cuando sacaban alguna cancioncilla en el MySpace o algún vídeo que nos hacían ver que este iba a ser un señor discazo… ¡Y lo es!

Vienen a por ti

Antes de empezar con la review, y como noticia exclusiva, os cuento que ayer mismo entraron a robar en el bus del grupo, que está en Austria de gira, y se llevaron muchas cosas: el pasaporte de Vreth, su cartera, y mucha ropa… No sé si también robaron cosas de los demás, yo lo leí en el Facebook de Mathias. El pobre dijo que solo tenía la ropa que llevaba puesta y la que usa en el escenario. Esperemos que puedan recuperar sus cosas, aunque tampoco estaría mal que tuviera que andar siempre con sus faldas de actuar…

Bien, sigamos. Nifelvind es un disco magistral, diferente a todo lo que habíamos escuchado antes de Finntroll, y prácticamente perfecto. Son doce canciones en las que no falta nada, y que cuadran perfectamente una después de otra. Además, como novedad, en una de ellas (Galgasång) no hay guturales, y Vreth demuestra que también vale para cantar con voces limpias.

Como se podía inferir después de Ur Jordens Djup, el estilo del grupo ha ido cambiando y haciéndose más oscuro y menos fiestero que, por ejemplo, Trollhammaren. Pero sea folk metal, o algo más hacia el black metal, lo cierto es que lo han hecho estupendamente.

En este disco tenemos banjo, violín, más percusión étnica… Todo esto hace que suene diferente, y le da un aire bastante pagano, y folk. Además, varias de estas canciones podrían ser una estupenda banda sonora en alguna película, y se nota la influencia de Danny Elfman.

No sabría decir cual es la mejor, porque todas me parecen muy buenas, aunque Solsagan tal vez se llevaría la palma. Y luego Under Dvangers Fot, Ett Norrskensdåd y Galgasång también son sublimes.

La intro, Blodmarsch, es como un adelanto de lo que va a ser la esencia del disco, e introduce Solsagan con sus coros épicos. Under Bergets Rot es tal vez la canción más rápida y animada del disco, ideal para un banquete de trolls en una cabaña en medio del bosque.

Porque no me canso de escuchar Solsagan, ni de ver el vídeo, os lo dejo para que lo disfrutéis una vez más:

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Resumen rápido: Cavalera Conspiracy es el proyecto para el que los hermanos Max e Iggor Cavalera, famosos por Sepultura, se reunieron musicalmente después de más de 10 años. Contaron a mayores con la colaboración de Marc Rizzo, de Soulfly y Ill Niño; Joe Duplantier, de Gojira; y algunos invitados en pistas concretas. Su único disco publicado hasta el momento es este Inflikted.

La canción inicial, que lleva el mismo título que el disco, ya nos mete de lleno en lo que será la tónica del disco: poderosos riffs de guitarra rítmicos, algunos hooks más agudos de la melódica que abren camino a otros licks rápidos y directos. Los fills entre los diferentes pasajes están muy marcados y añaden agresividad a la pista mientras que los beats de Iggor en la batería son contundentes y una de las contribuciones clave. Con este párrafo ya cubro todo mi uso de monosílabos en inglés para lo que queda de mes.

Ahora ya comprendo todo el hype de los fans.

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Como anunciamos el mes pasado, los finlandeses Stam1na acaban de publicar su cuarto álbum de estudio, Viimeinen Atlantis, El último Atlantis. Producido por Miitri Aaltonen, como los anteriores, salió ayer mismo al mercado. Su anterior trabajo, Raja, no hizo honor a su título y fue muy buen trabajo, tanto que arrasó en los Finnish Metal Awards del año pasado. Ahora veamos qué tal está este nuevo disco.

Son pequeñitos :3

Vale, no, no son pequeñitos, son altos, duros y fuertes hombres del Norte, como se puede apreciar en el vídeo de Likainen Parketti. Pero como no es eso lo que nos atañe ahora, ¡vamos al nuevo disco!

Ya os contamos que fue grabado en Astia Studios, en Lappeenranta, pero ahora que lo hemos escuchado podemos comentar que sigue perfectamente la línea del grupo, sin dar sorpresas, ahora que está tan de moda cambiar el estilo de los grupos, los chicos de Lemi no nos han querido sorprender y nos traen un disco de thrash progressive metal, que suena exactamente como esperaríamos que sonase un disco de Stam1na.

En general son buenas canciones, pero para mí destaca la última canción, la que da nombre al disco, Viimeinen Atlantis, que es más lentita y tranquila. Las demás son todas muy parecidas, siguen el mismo patrón.

Además, tenemos también el primer videoclip, el de la tercera canción del disco, Pakkolasku (que significa Aterrizaje forzoso). Aún así, no esperéis ver en el vídeo aviones, solo digo que lo primero que se ve son culos de finlandeses en mallas… Y que solo puedo resumir su contenido diciendo LOL. Ya no digo más, vedlo vosotros mismos.

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Siendo tan fanboy como soy del grupo, era de esperar que cogiese todo material nuevo de Metallica y lo analizase para gusto de todos los lectores. Así es que cuando Axionymous nos dio la noticia de que Metallica sacaría un nuevo DVD me ilusioné bastante con la idea y estuve esperando un tiempo hasta que al fin llegó. Se trata de un concierto que dieron este verano en Francia, y es el primer concierto que graban desde el S&M del 99 con la orquesta sinfónica de San Francisco. Concretamente, fue el pasado 8 de julio ante 20.000 personas en el anfiteatro romano Les Arènes de Nîmes, famoso por albergar también el concierto de Rammstein que sale en su famoso DVD Völkerball y considero uno de los mejores conciertos que he visto. El nombre que escogieron para la ocasión ha sido Français Pour Une Nuit (“Francés por una noche”) y si queréis, podéis ver el tráiler antes de comenzar con todo o pasar de los posibles spoilers que tenga. Aviso que será cosa bastante larga, pero tampoco creo que lo lea nadie que no le interese. ¡Avisados, quedáis!

Uno de los “puntazos” de hacer un concierto en este recinto, es que tiene forma ovalada y así se pueden dar conciertos de 360º, como les gusta a Metallica. Todo el mundo puede verlos tocar y ellos se sienten rodeados y recibiendo energía de sus fans. Como no podía ser de otra forma, el concierto comienza con The Ecstasy Of Gold, el famoso tema compuesto por el gran Ennio Morricone y que Metallica lleva usando como introducción para sus conciertos desde sus comienzos (aunque en el “Death Magnetic Tour” en algunos se usó la propia intro de la canción That Was Just Your Life). Mientras ponen los créditos iniciales y comienza a sonar la canción, enseñan imágenes del anfiteatro y de la gente esperando por el grupo. Épica como siempre, hace entrar en calor al público que canta al unísono al ritmo de la canción para acabar con fuertes vítores.

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Cuando un cantante por alguna razón deja un grupo con éxito y este grupo tiene una gran carrera, es difícil que la banda vuelva a sonar igual o alcanzar de nuevo el estrellato. Se han visto casos excepcionales en los que la banda ha seguido a un alto nivel (Black Sabbath sin Ozzy Osbourne y con Ronnie James Dio, discutiblemente Iron Maiden sin Bruce Dickinson, etc.), pero por lo general la falta de la voz del grupo, casi siempre seña de identidad de un grupo, suele marcar un antes y un después en él ya sea para bien o para mal.

En el caso de Alice In Chains, la pérdida de su cantante Layne Staley en 2002 fue un mazazo enorme, aunque tampoco estaban en su mejor momento. Tras la muerte de la mujer de éste en 1996, la banda comenzó una especie de pausa indefinida y Staley su calvario personal. Ya había estado en las drogas, pero esto fue lo que le condujo por el camino directo a la muerte. Años después fue encontrado muerto en su casa por una mezcla explosiva de heroína y cocaína, según su autopsia. El resto de miembros se volvieron a juntar en 2005 para dar algunos conciertos benéficos con diferentes artistas invitados, pero no fue hasta 2006 cuando el cantante de la banda Comes with the Fall, William DuVall, empezó a tocar con ellos como guitarrista rítmico y vocalista principal. En 2008 comenzaron a grabar este disco, establecieron a DuVall como miembro fijo, y ahora tenemos su trabajo en nuestras manos.

No a las drogas, sí al peinado afro: receta para volver a la cima

El cuarto disco de Alice In Chains vio la luz el pasado 25 de septiembre. El nombre que escogieron para él fue el de Black Gives Way To Blue y fue en honor al ex-cantante del grupo. Tras pasar un período intensivo de grabación desde finales de octubre del 2008 hasta marzo del 2009 en el Studio 606 de Northridge, California, la banda anunció que sacarían el disco a finales de verano bajo la producción de Nick Raskulinecz (de Foo Fighters, Trivium, Stone Sour o Rush, entre otros) y bajo la discográfica Virgin/EMI, como os contamos. Tras un tiempo, el 30 de junio la banda dejaba como descarga gratuíta el primer single del grupo, A Looking In View, cuya portada podéis ver aquí. Según el guitarrista Jerry Cantrell, la canción va sobre una serie de cosas que “te acojonan” en la vida, literalmente. El vídeo oficial lo sacaron unos días más tarde, el 7 de julio, y la verdad es que está bastante currada la mezcla de imágenes y sonido que consiguen en el videoclip:

El escepticismo inicial de los fans al escuchar la noticia de la vuelta del grupo se iba conviertiendo poco a poco en ilusión con este tema. ¡Realmente sonaba como los Alice de siempre! Para no disparar las alarmas innecesariamente, los más cautos esperaron al lanzamiento del segundo single del grupo. Se hizo de rogar un poco, pero al final el 17 de agosto llegó Check My Brain. Otro temazo que no dejaba lugar a la duda de que la vuelta estaba siendo fructífera y que la voz de DuVall estaba quedando a la perfección con el sonido del grupo. Aquí los más optimistas ya hablaban de discazo y seguramente uno de los mejores del año. También hay vídeo de este tema y portada, ya que fue presentado como segundo single del álbum y salió al mercado.

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