Tanaka Music

En una película, serie o videojuego, la música es algo esencial sin la cual no podríamos vivir las mismas experiencias, sentir lo que siente el protagonista, poder reír, llorar… Es imposible concebir algo así sin una buena banda sonora. Éste es el caso del nuevo videojuego en exclusiva para PS3, Heavy Rain.

Normand Corbeil: su música es mucho más conocida que él

En él tomaremos el papel de cuatro personajes para intentar descubrir al asesino del origami, que mata a niños con el agua de lluvia. Todo esto en una historia que viviremos como una especia de película interactiva de unas ocho horas de duración donde nuestras decisiones tendrán siempre su consecuencia y en la que habrá muchos giros inexperados y situaciones muy comprometidas.

Pero centrémonos en la música. El compositor a cargo del trabajo es el canadiense nacido en Québec, Normand Corbeil. Nominado a dos Emmy y ganador de un Jutra y dos premios Gémeaux, nos deja un total de 16 canciones a lo largo del juego, incluída una propia para cada protagonista de la aventura.

Todas las canciones rozan el drama (ya que es una historia dramática) y algunas de ellas nos someten a una presión imponente la cual nos hace ponernos en situaciones en las que hay que tomar una decisión rápidamente y el nerviosismo que podemos llegar a tener es muy alto. Esto hace que nos sobrecojamos por momentos y llegar a alterarnos fácilmente en las distintas fases de la historia, pudiendo al final conmovernos en un instante. El compositor y las mezclas de las canciones han llegado a conseguir esto: que en mismo trance podamos sentir múltiples emociones al mismo tiempo, hacernos llegar del más puro estado frenético de inquietud o excitación a un estado de tranquilo dramatismo en pocos segundos. Esto es posible.

No sé si podrá ser considerada por muchos una obra maestra y la música posiblemente necesite del juego para llegar a su máximo explendor. Pero al menos para mí es, sin duda alguna, una banda sonora sublime y perfectamente realizada, e incluso es posiblemente que sea el elemento más destacado del propio juego.

Nota: 9/10

Si queréis tener la oportunidad de tenerla aún sin poder jugar al juego, os dejo el enlace más abajo para descargarla y echarle un ojo.

Tracklist

1. Ethan Mars’ Main Theme (3:31)
2. Norman Jayden’s Main Theme (4:42)
3. Before the Storm (2:55)
4. Madison Paige’s Main Theme (3:31)
5. Scott Shelby’s Main Theme (6:01)
6. Lauren Winter’s Main Theme (3:07)
7. Painful Memories (1:29)
8. The Chase (Madison’s Action Soundtrack) (1:25)
9. Redemption (1:39)
10. The Bulldozer (Jayden’s Action Soundtrack) (1:34)
11. High Tension (Jayden’s Action Soundtrack) (1:17)
12. The Fight (Shelby’s Action Soundtrack) (1:31)
13. The Hold Up (Shelby’s Action Soundtrack) (1:28)
14. Looking for Shaun (Mars’ Action Soundtrack) (1:36)
15. Countdown (Mars’ Action Soundtrack) (1:33)
16. Last Breath (3:00)

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Pues por fin salió el quinto álbum de estudio de Finntroll, después de meses de insufrible espera, que encima se hacía cada vez peor cuando sacaban alguna cancioncilla en el MySpace o algún vídeo que nos hacían ver que este iba a ser un señor discazo… ¡Y lo es!

Vienen a por ti

Antes de empezar con la review, y como noticia exclusiva, os cuento que ayer mismo entraron a robar en el bus del grupo, que está en Austria de gira, y se llevaron muchas cosas: el pasaporte de Vreth, su cartera, y mucha ropa… No sé si también robaron cosas de los demás, yo lo leí en el Facebook de Mathias. El pobre dijo que solo tenía la ropa que llevaba puesta y la que usa en el escenario. Esperemos que puedan recuperar sus cosas, aunque tampoco estaría mal que tuviera que andar siempre con sus faldas de actuar…

Bien, sigamos. Nifelvind es un disco magistral, diferente a todo lo que habíamos escuchado antes de Finntroll, y prácticamente perfecto. Son doce canciones en las que no falta nada, y que cuadran perfectamente una después de otra. Además, como novedad, en una de ellas (Galgasång) no hay guturales, y Vreth demuestra que también vale para cantar con voces limpias.

Como se podía inferir después de Ur Jordens Djup, el estilo del grupo ha ido cambiando y haciéndose más oscuro y menos fiestero que, por ejemplo, Trollhammaren. Pero sea folk metal, o algo más hacia el black metal, lo cierto es que lo han hecho estupendamente.

En este disco tenemos banjo, violín, más percusión étnica… Todo esto hace que suene diferente, y le da un aire bastante pagano, y folk. Además, varias de estas canciones podrían ser una estupenda banda sonora en alguna película, y se nota la influencia de Danny Elfman.

No sabría decir cual es la mejor, porque todas me parecen muy buenas, aunque Solsagan tal vez se llevaría la palma. Y luego Under Dvangers Fot, Ett Norrskensdåd y Galgasång también son sublimes.

La intro, Blodmarsch, es como un adelanto de lo que va a ser la esencia del disco, e introduce Solsagan con sus coros épicos. Under Bergets Rot es tal vez la canción más rápida y animada del disco, ideal para un banquete de trolls en una cabaña en medio del bosque.

Porque no me canso de escuchar Solsagan, ni de ver el vídeo, os lo dejo para que lo disfrutéis una vez más:

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Resumen rápido: Cavalera Conspiracy es el proyecto para el que los hermanos Max e Iggor Cavalera, famosos por Sepultura, se reunieron musicalmente después de más de 10 años. Contaron a mayores con la colaboración de Marc Rizzo, de Soulfly y Ill Niño; Joe Duplantier, de Gojira; y algunos invitados en pistas concretas. Su único disco publicado hasta el momento es este Inflikted.

La canción inicial, que lleva el mismo título que el disco, ya nos mete de lleno en lo que será la tónica del disco: poderosos riffs de guitarra rítmicos, algunos hooks más agudos de la melódica que abren camino a otros licks rápidos y directos. Los fills entre los diferentes pasajes están muy marcados y añaden agresividad a la pista mientras que los beats de Iggor en la batería son contundentes y una de las contribuciones clave. Con este párrafo ya cubro todo mi uso de monosílabos en inglés para lo que queda de mes.

Ahora ya comprendo todo el hype de los fans.

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Como anunciamos el mes pasado, los finlandeses Stam1na acaban de publicar su cuarto álbum de estudio, Viimeinen Atlantis, El último Atlantis. Producido por Miitri Aaltonen, como los anteriores, salió ayer mismo al mercado. Su anterior trabajo, Raja, no hizo honor a su título y fue muy buen trabajo, tanto que arrasó en los Finnish Metal Awards del año pasado. Ahora veamos qué tal está este nuevo disco.

Son pequeñitos :3

Vale, no, no son pequeñitos, son altos, duros y fuertes hombres del Norte, como se puede apreciar en el vídeo de Likainen Parketti. Pero como no es eso lo que nos atañe ahora, ¡vamos al nuevo disco!

Ya os contamos que fue grabado en Astia Studios, en Lappeenranta, pero ahora que lo hemos escuchado podemos comentar que sigue perfectamente la línea del grupo, sin dar sorpresas, ahora que está tan de moda cambiar el estilo de los grupos, los chicos de Lemi no nos han querido sorprender y nos traen un disco de thrash progressive metal, que suena exactamente como esperaríamos que sonase un disco de Stam1na.

En general son buenas canciones, pero para mí destaca la última canción, la que da nombre al disco, Viimeinen Atlantis, que es más lentita y tranquila. Las demás son todas muy parecidas, siguen el mismo patrón.

Además, tenemos también el primer videoclip, el de la tercera canción del disco, Pakkolasku (que significa Aterrizaje forzoso). Aún así, no esperéis ver en el vídeo aviones, solo digo que lo primero que se ve son culos de finlandeses en mallas… Y que solo puedo resumir su contenido diciendo LOL. Ya no digo más, vedlo vosotros mismos.

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Siendo tan fanboy como soy del grupo, era de esperar que cogiese todo material nuevo de Metallica y lo analizase para gusto de todos los lectores. Así es que cuando Axionymous nos dio la noticia de que Metallica sacaría un nuevo DVD me ilusioné bastante con la idea y estuve esperando un tiempo hasta que al fin llegó. Se trata de un concierto que dieron este verano en Francia, y es el primer concierto que graban desde el S&M del 99 con la orquesta sinfónica de San Francisco. Concretamente, fue el pasado 8 de julio ante 20.000 personas en el anfiteatro romano Les Arènes de Nîmes, famoso por albergar también el concierto de Rammstein que sale en su famoso DVD Völkerball y considero uno de los mejores conciertos que he visto. El nombre que escogieron para la ocasión ha sido Français Pour Une Nuit (“Francés por una noche”) y si queréis, podéis ver el tráiler antes de comenzar con todo o pasar de los posibles spoilers que tenga. Aviso que será cosa bastante larga, pero tampoco creo que lo lea nadie que no le interese. ¡Avisados, quedáis!

Uno de los “puntazos” de hacer un concierto en este recinto, es que tiene forma ovalada y así se pueden dar conciertos de 360º, como les gusta a Metallica. Todo el mundo puede verlos tocar y ellos se sienten rodeados y recibiendo energía de sus fans. Como no podía ser de otra forma, el concierto comienza con The Ecstasy Of Gold, el famoso tema compuesto por el gran Ennio Morricone y que Metallica lleva usando como introducción para sus conciertos desde sus comienzos (aunque en el “Death Magnetic Tour” en algunos se usó la propia intro de la canción That Was Just Your Life). Mientras ponen los créditos iniciales y comienza a sonar la canción, enseñan imágenes del anfiteatro y de la gente esperando por el grupo. Épica como siempre, hace entrar en calor al público que canta al unísono al ritmo de la canción para acabar con fuertes vítores.

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Cuando un cantante por alguna razón deja un grupo con éxito y este grupo tiene una gran carrera, es difícil que la banda vuelva a sonar igual o alcanzar de nuevo el estrellato. Se han visto casos excepcionales en los que la banda ha seguido a un alto nivel (Black Sabbath sin Ozzy Osbourne y con Ronnie James Dio, discutiblemente Iron Maiden sin Bruce Dickinson, etc.), pero por lo general la falta de la voz del grupo, casi siempre seña de identidad de un grupo, suele marcar un antes y un después en él ya sea para bien o para mal.

En el caso de Alice In Chains, la pérdida de su cantante Layne Staley en 2002 fue un mazazo enorme, aunque tampoco estaban en su mejor momento. Tras la muerte de la mujer de éste en 1996, la banda comenzó una especie de pausa indefinida y Staley su calvario personal. Ya había estado en las drogas, pero esto fue lo que le condujo por el camino directo a la muerte. Años después fue encontrado muerto en su casa por una mezcla explosiva de heroína y cocaína, según su autopsia. El resto de miembros se volvieron a juntar en 2005 para dar algunos conciertos benéficos con diferentes artistas invitados, pero no fue hasta 2006 cuando el cantante de la banda Comes with the Fall, William DuVall, empezó a tocar con ellos como guitarrista rítmico y vocalista principal. En 2008 comenzaron a grabar este disco, establecieron a DuVall como miembro fijo, y ahora tenemos su trabajo en nuestras manos.

No a las drogas, sí al peinado afro: receta para volver a la cima

El cuarto disco de Alice In Chains vio la luz el pasado 25 de septiembre. El nombre que escogieron para él fue el de Black Gives Way To Blue y fue en honor al ex-cantante del grupo. Tras pasar un período intensivo de grabación desde finales de octubre del 2008 hasta marzo del 2009 en el Studio 606 de Northridge, California, la banda anunció que sacarían el disco a finales de verano bajo la producción de Nick Raskulinecz (de Foo Fighters, Trivium, Stone Sour o Rush, entre otros) y bajo la discográfica Virgin/EMI, como os contamos. Tras un tiempo, el 30 de junio la banda dejaba como descarga gratuíta el primer single del grupo, A Looking In View, cuya portada podéis ver aquí. Según el guitarrista Jerry Cantrell, la canción va sobre una serie de cosas que “te acojonan” en la vida, literalmente. El vídeo oficial lo sacaron unos días más tarde, el 7 de julio, y la verdad es que está bastante currada la mezcla de imágenes y sonido que consiguen en el videoclip:

El escepticismo inicial de los fans al escuchar la noticia de la vuelta del grupo se iba conviertiendo poco a poco en ilusión con este tema. ¡Realmente sonaba como los Alice de siempre! Para no disparar las alarmas innecesariamente, los más cautos esperaron al lanzamiento del segundo single del grupo. Se hizo de rogar un poco, pero al final el 17 de agosto llegó Check My Brain. Otro temazo que no dejaba lugar a la duda de que la vuelta estaba siendo fructífera y que la voz de DuVall estaba quedando a la perfección con el sonido del grupo. Aquí los más optimistas ya hablaban de discazo y seguramente uno de los mejores del año. También hay vídeo de este tema y portada, ya que fue presentado como segundo single del álbum y salió al mercado.

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Hagámoslo rápido e indoloro. Un regreso bastante esperado del que os hablamos había sido el de Alejandro Sanz. Ilusos de nosotros, creímos que con esa promesa de que sería un álbum de britpop podría que nos gustase mínimamente. Un single comercial con Alicia Keys parecía el trampolín perfecto para el asalto a las listas de los 40 Principales éxitos. Nada más lejos de la realidad, nos quiso vender la Pantoja por Muse.

Más nos duele a nosotros al escuchar tu disco, Alejandro

Nos mintió diciendo que sería un disco de britpop, y no es más que su pop de siempre, pero incluso en versión mala. Intenta hablar de amor en sus canciones, pero sale más forzado que ponerse el traje de la primera comunión con treinta años. Los ritmos son aburridos y creo que pocas canciones valen la pena. Escuché el disco un par de veces. La primera con ganas de escucharlo, pero ya tras la primera mitad de las canciones, fue bastante a la fuerza. La segunda vez fue por si acaso me equivocaba y en contra de mi voluntad (pero el curro es el curro, y somos profesionales). Tras el segundo análisis mi mala opinión del disco cambió radicalmente, dando una vuelta de 180º. Ya no tengo una mala opinión, sino una muy mala.

Por eso mismo no os diré más del disco, no os quiero atormentar. Puede que a los que sois muy muy fans del cantante sí os guste, es cosa del ser fanboy de algo, que te gustará bajo cualquier circunstancia tan sólo por ser de quien es, pero para la gente que tenga un gusto ligeramente diferente a Alejandro Sanz, no vale. De todas maneras lo tenéis en Spotify si queréis intentarlo, pero bueno. Mi opinión es que no se lo recomiendo ni a mi peor enemigo, por mucho que digan que se vende y que está de número 1 en los EE.UU., que no me lo creo.

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Yo no estaba demasiado convencida de que tuviera sentido hacer una review de esto, que sólo trae dos temas nuevos. El caso es que el Sr. Tanaka me amenazó desde la cristalera de su despacho, agitando una camisa de fuerza en el aire… así que allá vamos con el recopilatorio que Foo Fighters sacó a la venta el pasado 3 de noviembre y del que ya nos había informado nuestro querido James Ulrich. Se titula Greatest Hits (¿quién lo diría?) y os lo analizamos un poco.

THE-BEST-THE-BEST-THE-BEST…of Foo Fighters

El disco lo componen 16 canciones, incluyendo dos temas nuevos (Wheels y Word Forward) y una versión acústica de Everlong. Mi más sincera opinión: un par de temas o tres de cada disco que han editado desde 1995, azúcar, sal y dos temas nuevos, y ya tenemos más de lo mismo. ¿Era necesario editar un grandes éxitos cuando, entre otras cosas, el alma mater de la banda está enfrascado en otros proyectos como Them Crooked Vultures? La respuesta te la da el mismo Dave Grohl: el disco no es más que otro apartado de su contrato con Sony-BMG. Ni siquiera está demasiado de acuerdo con la lista de canciones.

Parece prematuro, porque todavía somos una banda activa y en funcionamiento. Esta clase de cosas parecen un obituario. Nos pidieron que lo hiciéramos hace mucho, firmamos el trato hace mucho… así es como funciona.

De todas maneras, no es frecuente que un disco recopilatorio funcione tan bien como lo está haciendo este. Quizás podamos darle el crédito a la lista de canciones (ya no tienes que hacerte un cd del grupo para el coche, puedes cogerte este disco directamente), o al hecho de que el disco en sí resulta una buena carta de presentación para aquellos que no conocen al grupo o no lo han escuchado lo suficiente todavía (como pasó con el recopilatorio que sacaron hace un tiempo The Offspring).

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Otro de los regresos más esperados es el de Wolfmother. Tras hacer un expléndido debut con su disco homónimo en 2005, había llegado a cotas de éxito enormes con temas como Woman, White Unicorn o Dimension. Su fórmula era un hard rock con pinceladas de stoner rock y daban lugar a auténticos temazos. Pero no todo es ángeles y florecillas. Los problemas llegaron al grupo en agosto del año pasado y dos de sus miembros originales, el bajista y teclista Chris Ross y el batería Myles Heskettse, se fueron de él dejando al polifacético Andrew Stockdale al mando de la nave. Ellos alegaron “problemas personales irreconciliables y diferencias musicales”, es decir, mal rollito, pero Stockdale prometió a los fans del grupo que cogería el timón del barco y lo llevaría de nuevo a buen puerto con nueva tripulación. Los elegidos para tal objetivo fueron el bajista y teclista Ian Peres, el guitarrista rítmico Aidan Nemeth y el batería Dave Atkins. ¿El resultado de este viaje? Podríamos pensar que el grupo estaría acabado sin el resto de fundadores y que todo se iría a pique, pero nada más lejos de la realidad. Pese a recibirlo con escepticismo y a no llegar al nivel de su primer disco (porque evidentemente es mucho nivel), es un discazo. Es mucho más de lo que nos esperábamos de él, sinceramente.

Andrew explicando cómo hacer para tener su peinado

El álbum fue grabado en tan sólo dos meses (abril y mayo de este año) en los Sound City Studios y los Sunset Sound Studios de Los Ángeles, y el encargado de la producción ha sido Alan Moulde, conocido por sus trabajos con grupos de la talla de Depeche Mode, Lostprophets, Nine Inch Nails, A Perfect Circle o The Smashing Pumpkins, entre otros. No tardaron mucho en lanzar el primer single de presentación titulado Back Round. Pudimos disfrutar de él el 2 de junio y más adelante, el 25 de agosto, New Moon Rising fue el primer single en salir a la venta. El 23 de octubre el disco entero salió al mercado y no tardó mucho en llegar al top de las listas de medio mundo. Sufrimos un pequeño bombardeo publicitario en Spotify una vez salió el disco, pero valió la pena.

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Este año dos de los grandes del thrash metal han sacado disco: Megadeth y Slayer. Si recordáis, poco a poco os fuimos contando los avances sobre el disco de Kerry King y compañía. Hace meses en el día de Slayer (06/06/09) os anunciamos que sacarían nuevo disco. Ya en septiembre, os contamos un montón de datos aparecidos a lo largo del verano sobre este álbum y al final os desvelamos el tercer single presentado hasta la fecha (en los dos posts anteriores había también un nuevo single de cada vez). Ahora toca analizarlo en profundidad para todos nuestros lectores y que ellos también puedan opinar sobre él.

Araya no lleva gafas porque usa lentillas de sol

Este décimo álbum de estudio de la banda ha salido el 28 de octubre en Japón y en los siguientes días en el resto de países del mundo. Fue grabado en Los Ángeles en los meses de octubre del 2008 hasta marzo de este año. Los productores del disco han sido Greg Fidelman y Rick Rubin (este último en la parte ejecutiva), conocidos por sus trabajos con Slipknot (Vol. 3: (The Subliminal Verses)) o Metallica (Death Magnetic). En este disco, Slayer ha querido hacer algo diferente. En todos sus discos anteriores, ellos componían todas las canciones, las ensayaban mucho, llegaban al estudio, las grababan y fin. En esta ocación han querido cambiar de estrategia y llegar al estudio con el trabajo a medias e ir desarrollando letras y melodías en él, poco a poco y entre todos.

Grabar este nuevo álbum ha sido una de las mayores experiencias que hemos tenido como banda. Hemos estado juntos durante todo el proceso de composición más que en ninguno de los discos pasados. Hemos trabajado más colectivamente, todas las ideas y consejos de todo el mundo fueron escuchados y considerados, y la camaradería ha aumentado con el nuevo álbum.

En su primer momento, todas las canciones habían sido compuestas por Kerry King y por Jeff Hanneman (los dos guitarristas del grupo) y daban un total de trece, pero al final recortaron el presupuesto y sólo presentaron once. De todas maneras, alguna de ellas seguramente sea recuperada para otros usos, como os contaremos más abajo. Tom Araya se excusa de no haber participado activamente en la composición de las canciones debido a la perfecta armonía de las canciones ya escritas:

Los otros álbums eran buenos, pero este tiene como algo mágico que hace que no pueda meter mi dedo en él, porque fluye de maravilla, la estructura está perfectamente hecha, al igual que las melodías. Todo ha sido un trabajo colectivo, así que estoy verdaderametne orgulloso de él y estoy seguro de que los otros chicos lo están también.

Para no desviarnos del tema, hablemos del disco. A resumidas cuentas, hay varias cosas claras sobre esta grabación: se mantienen totalmente a su estilo thrash más cañero (lo cual es muy bueno), los instrumentos suenan bastante claros y sobre todo, la voz de Araya es totalmente comprensible en cualquier parte/berrido de cualquier canción. Recordemos que hay gente a quien no le gusta a veces la voz de Tom, aunque sea uno de los referentes del grupo.

La duración del disco es bastante corta (sólo 39 minutos), pero en estas once canciones son capaces de transmitir lo que quieren sobradamente. Muchas no llegan a los tres minutos, pero no por eso son peores. Vamos con el análisis track-by-track:

La primera canción que abre el disco es la homónima, tercer single del álbum: World Painted Blood. Curiosamente es la más larga (con casi 6 minutos) y en ella trata el mundo actual, con sus guerras, muertes, destrucción, “serial killers” y hasta la propia apocalipsis. La canción desprende una fuerza inusual, propia de sus mejores años y los solos de guitarra son como los habituales de la banda, locos y frenéticos. Como detalle y ahora es cuando me pegáis, por cachos me recuerda a My Apocalypse, del Death Magnetic de Metallica, en las estrofas que dice “Disease spreading death”. Sin duda una de las mejores canciones del disco, para mí.

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