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¡Yo fui una vez fuerte como el sol!

Crónica: The Wave Pictures @ Le Club (A Coruña, 06/12/13)

Algunos estuvimos tentados a plantarnos hace unos años y negarnos a escuchar música nueva, regocijándonos para siempre en las canciones y discos que ya sabíamos que nos gustaban. Pero por mucho que lo intente uno, esto es imposible, los buenos grupos acaban filtrándose y acaban llegando para quedarse, sea por una recomendación, por un single u por otros medios aún más extraños. Hace unos años Nacho Vegas decidió subirse al barco del grupo Manel para grabar una versión del My kiss de The Wave Pictures que se coló en mi Spotify. Años más tarde estoy yendo a un concierto suyo en A Coruña (tras habérmelos perdido otro par de veces) mientras maldigo la era de la información.

Es de bien nacidos ser agradecidos y la posibilidad de haber vuelto a la sala Le Club se le debe en esta ocasión a +Galicia a los que les mandamos unas flores (metafóricas) por habernos acreditado. El otro agradecimiento es para Sebas, el fotógrafo de excepción que nos acompañó y que firma las fotos de esta crónica. La penúltima pata del banco soy yo. ¿Y la última? The Wave Pictures. The Wave Pictures, como banda, parten de un concepto básico y puro: tres personas que dominan con creces sus instrumentos y que se juntan para hacer música en común. ¿Fácil eh? Amparados bajo las alas de la gallina clueca del indie rock inglés, el trío se caracteriza por un estilo propio (que no original), guitarras alegres, la voz característica de su cantante David Tattersall, letras irónicamente inglesas, baterías potentes y un bajista que cuando coge los coros hace la voz grave y seria como salvo honrosas excepciones hacen todos los bajistas del planeta.

Wave Pictures

Además de eso, The Wave Pictures son un grupo prolífico que sacan discos como churros y dan conciertos por doquier. En esta ocasión traían bajo el brazo su último trabajo City Forgiveness y a un cuarto integrante que tocó desde las maracas hasta la misma batería y sirvió de apoyo a la banda. Abrían precisamente con uno de los temas de este álbum, Lisbon, ante una sala que registraba una muy buena entrada. Desde el primer momento se pudo apreciar lo que sería el patrón del sonido del grupo, sin escatimar en potencia ni en sentimiento pero tampoco buscando la pureza del sonido sino algo más cercano, que comulgase más con lo casero del rock, como un ensayo para unos amigos.

Desde un primer momento los tres integrantes del grupo se lucieron sin pretenderlo. Desde el ritmo imparable de la batería a los guitarreos entre punteos y solos que hacía el cantante y servían para enriquecer a los temas Todo sin olvidar el bajo juguetón que iba acompañándole y que no se limitaba a seguir “el guión” marcado por la guitarra. Con The West Country ya comenzaron algunos tímidos bailes en las primeras filas. Quizás The Wave Pictures no inviten tanto a la danza como pueden ser otros grupos de la cuerda como Arctic Monkeys pero lo que pierden ahí lo ganan en la composición de unos temas que más de una vez coquetean con el lo-fi.

The Wave Pictures

El calor presente en la sala no evitó que el respetable disfrutase de hits del grupo como Spaghetti o Kiss Me y a pesar de que en ocasiones la sala volvió a parecer una peluquería dado el volumen de las conversaciones presentes entre todos fuimos capaces de ir consiguiendo un ambiente propicio para escuchar música. Reminiscencias a algunos lejanos Belle & Sebastian en las lineas vocales aparte, se iba sacando la artillería pesada sin dejar lugar a la duda ni espacio a la crítica. Los nuevos temas suenan más que bien y siguen la linea dibujada ya por otros discos como Long Black Cars o Instant Coffee Baby.

Si el look de niño bueno de David no es suficiente para enternecer al público, para ello ya está el batería Jonny Helm bajando de su trono para cantar alguna de las canciones como Without Feathers cuyo solo dejó al mayoritario público femenino al borde del suspiro infinito o al menos buscando a donde se había caído su ropa interior. Rato tuvo este hombre también para cantar mientras tocaba la batería, en esta ocasión Give me a second chance, que fue seguida por una bellísima Sweetheart que hizo que le puso el lagrimal a punto a más de uno.

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No se puede dejar de lado que además del estilo propio, la buena instrumentación y técnica de los músicos y la calidad de los temas, el grupo pelea en todo momento por conseguir que el concierto sea algo cercano, a pesar de tener la barrera del idioma. Sin caer en el gravísimo error de querer ser un grupo de graciosos, decoran entre canciones con pequeñas anécdotas o comentarios, escuetos pero que ayudan a engrasar el repertorio. Con Strange Fruit for David cerraron el set oficial y dieron paso tras un breve tutorial de como solicitar un bis a, exactamente eso, el bis.

Servidor jamás había visto algo parecido y aún sigue preguntándose cómo ocurrió. Resulta que el bis duró casi tanto como el concierto, tocando hasta ¡ocho! canciones, entre ellas una versión de Daniel Johnston, algún tema más del último disco, éxitos como Just like a drummer o Eskimo Kiss todo esto para acabar con un épico Never go home again y –ahora sí– un público completamente entregado que los jaleó y aplaudió mucho más de lo mentalmente sano. Tiempo tuvo incluso el batería a ser el que cantase uno de esos temas del breve encore.

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Tras este concierto en dos partes ¿con qué nos quedamos? The Wave Pictures son apuesta segura. Son un concierto para ir aunque no los conozcas, para recomendar a alguien o para enamorarte de ellos. Merecen un diez con un interrogante para que expliquen como hacen el reparto de canciones. Y que no tarden en sacar más discos aunque haya que seguir descubriendo canciones.

Setlist

  1.  Lisbon
  2.  The west country
  3.  Red Cloud Road (part 2)
  4.  Spaghetti
  5.  Kiss me
  6.  The Innatentive Reader
  7.  Narrow Lane
  8.  Cut them down in the passes
  9.  Without feathers
  10.  Tiny craters in the sand
  11.  Give me a second chance
  12.  Sweetheart
  13.  Strange fruit or David

Encore:

  1.  Before this day
  2.  Eskimo kiss
  3.  The Woods
  4.  Just like a drummer
  5.  My life is starting over again (Daniel Johnston)
  6.  Chestnut
  7.  Now you’re pregnant
  8.  Never go home again
The Wave Pictures: Página oficial | Facebook | Last.fm

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Crónica: Javier Krahe @ Mardi Gras (A Coruña, 21/11/2013)

Hola, ¿qué tal? ¡Cuánto tiempo! ¿Seguís todos bien? Bueno, vamos a lo importante: Javier Krahe en Mardi Gras. Tuve la oportunidad de asistir al concierto del madrileño en la noche del jueves 21. Para el que no lo conozca, Krahe, caballero de triste figura, casi parido de una Mandrágora junto a otros dos secuaces (ya sabéis, Alberto Pérez y uno de Úbeda) prosiguió su carrera por los escenarios de esta tierra con sus letras mordaces, críticas e incluso a remojo del Brassens más canalla hasta llegar a ser un prolífico artista (con perdón) y una figura de culto para generaciones una detrás de otra. Para conocerlo hay que escucharlo y para comprenderlo hay que verlo en concierto. Así que ahí fuimos.

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Cuando el cartel de completo cuelga desde esa tarde y al llegar a la sala ves una cola que gira la esquina con gente de diversas edades y pelaje, lo mejor que puedes hacer es dejar que entren e ir a por una cerveza. A Krahe se le entiende así, relajado, con tiempo por delante para reírse cuando toque y cuando no. Arrancaba ante una sala llena y agolpada con una presentación tranquila, casi tartamudeante, de lo que iba a ser el show: una presentación de las canciones de su último disco Las diez de últimas salpicada por otros éxitos de su carrera.

Abría con Antípodas y con su pinta de profeta adormecido con una banda que le acompañaba con contrabajo, guitarra y saxo, clarinete o flauta según se diera la canción. Todo esto mientras le cuchicheaban las canciones, aportaban nuevas narraciones o respondían a las dudas del cantautor haciendo que el cuerpo del concierto tuviese un aire de café-jazz despreocupado. Con Mariví o Agua de la fuente empezaba a presentar las credenciales de su último álbum, todo tapizado por presentaciones líricas que rompían las risas del respetable, buscadas como quien no quiere la cosa por Krahe.

No iba a faltar la casi exigida alusión al plato cristiano que dijeron que había cocinado apócrifamente tiempo ha y que casi nos cuesta un disgusto a nosotros, a él y a la libertad de expresión. A algunas letras de Krahe no hace falta hervirlas para ver que son cristalinas ( “El señor no es mi pastor / no soy ningún borrego”) y el público aceptó sin concesiones e hizo suyos los temas que hasta ayer desconocía y que no necesitaron corear. Por sus caras solo parecían pedir que el chulo del escenario bajara a enseñar gramática a unos cuantos.

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Los músicos que le acompañaban le quedaban como anillos de oro a los dedos de la mano y lo complementaron a la perfección. Entre unas celebradas Vecindario, Dos de Mayo o La Yeti (donde se desbocó su vena más latina, llegando a pronunciar azúcar con ‘s’ con su característica flema, un despiporre) siguió colando nuevos éxitos, tapizados con esas toses que también son Krahe. Entre medias tuvimos la oportunidad de disfrutar de la cantautora Palito que coló entre risas dos temas propios muy al corte del madrileño y que no solo no desentonaron sino que fueron apreciados por los presentes.

Todas las canciones de Krahe hablan de amor y con ello de otras mil cosas. La risa esconde y enseña un sentimiento melancólico terrible, entre un sainete con kazoo y una resignación de romántico perdedor que pone en duda hasta el aire que respira y es que desde la ley antitabaco, el oxígeno ya no sabe igual. Su único lugar es el escenario y con su voz y canciones huye de todo envoltorio superfluo, homenajes pomposos o complejidad más allá de la canción y su mensaje. Ahora que está de moda el baile de nombres a teatros, el día que le pongan su nombre a un auditorio (que méritos no faltan), lo primero que hará Krahe es ir a mear a la puerta. Vamos, supongo.

Con el apogeo del concierto en un bélico Dos de Mayo y sacudiendo algunos de los últimos temas de su disco dio por finalizada la obra y regaló un bis para el concierto, que siendo quizás algo corto resultó muy satisfactorio y se clausuró con Décimas con Aguarrás y Diente de ajo. A Krahe uno puede ir muy reído de casa que allí aún le hará carcajearse más de una vez. Verlo siempre vale la pena, da igual la edad, la procedencia o las preferencias musicales. Krahe es un monstruo del escenario, con su pasotismo excepcional, con su lírica de apisonadora. Pero también es todo lo contrario, es negarse a sí mismo. Es la pijita que pregunta a su novio después de la primera canción “Oye, ¿y todas las canciones son así?”. Si Krahe la llega a oír la sube a la tarima para darle un abrazo. Y luego hace más canciones así, claro. Y menos mal.

Setlist:

Antípodas
Mariví
Agua de la fuente
Navalagamella
Fuera de la grey
Vecindario
Puzzle
En la costa suiza
La Yeti
Con pasos cerriles
Dos de mayo
Tombuctú
Ay Democracia!

Encore:
Décimas con aguarrás
Diente de ajo

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Jane Joyd

“La finalidad de Jane Joyd es buscar las emociones como principio y fin”: entrevista a Elba Fernández (Jane Joyd)

Ya hace más de un año que Jane Joyd nos abría sus puertas y nos concedía una entrevista y a alguno le podría parecer que no ha dado tiempo a juntar material para volver a coger el teléfono y llamar a Elba a ver que se cuenta. Nada más lejos de la realidad, en este periodo Jane Joyd ha dado un “puñao” de conciertos, en solitario y con otros artistas (alguno incluso reseñado aquí), ha ganado el Proyecto Demo 2011 lo cual le llevó a tocar en el FIB y finalmente ha sacado su esperado EP que en Redacción ya ha sonado más de 5 y 6 veces.

Jane Joyd

Esta es la charla que tuvimos con ella sobre su nuevo EP, la evolución del sonido de Jane Joyd y toda la marabunta de sucesos que ocurrieron este último año.

Jimmy Jazz: Antes de nada darte la enhorabuena por el disco, posiblemente de lo mejor que se ha escuchado este 2012. Hace poco más de un año hablabamos sobre planes de futuro, posibilidades, nuevas ideas y en este tiempo Jane Joyd ha dado un campanazo. La publicación del EP, el proyecto Demo y el consiguiente concierto en el FIB quizás son los buques insignia pero ¿cómo ha llevado Jane Joyd este salto? ¿ha supuesto también un duro esfuerzo o ha sido un camino de rosas?

Jane Joyd: ¡Muchas gracias! El Proyecto Demo y todo lo que vino posteriormente han sido grandes oportunidades para hacerse eco y hueco en la escena musical a nivel estatal, además de una inyección de autoestima por el hecho del reconocimiento de estar haciendo un buen trabajo. Sin embargo creo que el que escuche el nuevo material se dará cuenta de la gran cantidad de tiempo y esfuerzo que ha supuesto dar a luz el nuevo EP, llevado a cabo entre dos personas, Xulio y yo, y que en alguna ocasión, más que camino de rosas lo ha sido de espinas. Pero todo trabajo bien hecho requiere su esfuerzo y al final uno acaba una jornada de 16 horas con una sonrisa en la cara, por algo será. Así que todo ese salto ha sido de una manera muy consciente y consecuente.

JJ: Lo primero que sorprende del disco es toda la instrumentación que han ganado las canciones, tanto que se hace difícil ya pensar en este como un proyecto unipersonal ¿era esta la idea principal de Jane Joyd o es una evolución que ha venido originada por otros motivos?

J.Joyd: Cuando empecé con el proyecto evidentemente no pensé en lo que es hoy en día, de la misma manera que no sé lo que será dentro de 4 años, aunque se trabaja con un fin, claro. Es un proyecto muy sincero, no está pensado con finalidad de producto, si no se hubiese hecho de otra manera. Forma parte de una evolución musical y personal que cambia según lo requerido en ese momento. Lo que sí tengo claro es que es un proyecto muy libre en constante movimiento y eso es algo maravilloso a muchos niveles. Han participado y participan muchas personas y eso lo hace muy vivo y flexible. Es muy bonito tener la libertad de poder ser lo que uno quiere en cada momento, en ese sentido.

JJ: Un EP de 4 canciones concebido para ser escuchado sin pausas que a las primeras de cambio cuelgas en Youtube. En tiempos de MP3, hits y jingles ¿Estamos locos o qué? ¿Cómo ha sido la decisión de lanzarse a la piscina?

J.Joyd: Sí, vivimos en una sociedad frenética, al menos por este lado del planeta. La música se consume en grandes cantidades, por lo que parece que solo hay lugar para el single y la fórmula mágica. Lo cual no significa que todo el mundo tenga que hacer eso necesariamente. Creo que todo depende de la finalidad que cada artista busque. Hay hueco para muchas fórmulas. La de Jane Joyd es la de buscar las emociones como principio y como fin, y trabajar para llegar a conseguirlo. Es muy personal, con una carga emocional importante, y para llegar, lo mejor es dejarse llevar y arriesgar si es necesario. ¿Qué es lo peor que puede pasar? ¿Que no guste? Eso puede pasar en cualquier momento. No creo que haya sido una locura, y si lo es, ¡qué mejor sitio para volverse loco que la música!

Jane Joyd

JJ: En la última entrevista hablábamos de la respuesta unánime de la crítica y te encomendabas a que te preguntase lo mismo en un tiempo. Ahora que parece que ya “se genera debate” como decías, la respuesta sigue siendo positiva. Dejando la modestia ligeramente aparte, ¿cuales son para ti las razones del éxito de Jane Joyd?

J.Joyd: Anda, ¡te has acordado! Aunque esto es una carrera de fondo, y te encomiendo a que me lo preguntes dentro de unos años para responder con más perspectiva (al final siempre acabo tirando balones fuera). Hasta ahora la respuesta ha sido muy positiva y el nexo común de todas las buenas críticas están siendo la originalidad del concepto y la gran personalidad del proyecto. Nos sentimos orgullosos de escuchar cosas así, porque realmente el trabajo siempre estuvo enfocado hacia esa dirección.

JJ: El formato EP es usado bastantes veces por los artistas para publicar canciones con más asiduidad. Aún estamos degustando The Dramatic Tale Of Her Animals pero nos preguntamos ¿se ve una continuación en el horizonte cercano?

J.Joyd: En este caso en concreto el formato EP ha ayudado para trabajar algo muy conceptual, un disco corto pero cargado de matices y con mucha densidad. Es cierto que el EP se utiliza mucho para hacer adelantos, o simplemente para soltar material que no iría en un largo, o reediciones,… En fin, hay mil razones. Es un formato que me gusta mucho porque permite soltar pequeños estímulos en constante movimiento. Esto no elimina la idea de un largo, todo tiene su porqué. Pero lo que sí me gustaría es que se le diese al EP el valor que puede llegar a tener como disco más corto. ¿tiene más valor un LP que 3 EPs sacados en un mismo año? Respecto a la continuación será a nivel de evolución musical, pero este pequeño disco no es un adelanto de otra cosa, es lo que es.

JJ: ¿Nos das alguna pista de por donde te podremos ver en los próximos meses?

J.Joyd: Además de vernos en la cola del pan, en breve daremos a conocer fechas muy interesantes para estos meses. ¡Prometido!

JJ: Al año pasado le pedías que no pasara tan rápido como el anterior y tiene pinta de que no se cumplió demasiado con tanto éxito. Usa la psicología inversa y pide algo que no quieras que pase este año a ver si así.

J.Joyd: Tenían razón nuestros abuelos, a partir de cierta edad todo pasa volando. Este año se acababa el mundo ¿no? Como no me va a dar tiempo a hacer todo lo que tengo que hacer…¡Que se acabe el mundo!

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Sly and Cape

Joey Cape y Tony Sly sacarán su nuevo split el 19 de junio

En la reciente entrevista con Tanaka, Joey Cape se guardaba alguna carta en la manga y nos comentaba estar acabando otro split del que aún no podía hablar. Pocos nos imaginabamos que ese sería (si es que es ese y no hay otro) una nueva edición del Acoustic que grabó hace unos años con Tony Sly. La noticia es esa, tras el Acoustic, un split de dos canciones y el disco de ambos con Snodgrass y Brian (firmado bajo el nombre de Scorpios), Joey Cape y Tony Sly sacarán su nuevo disco el 19 de junio.

Sly and Cape

Estoy seguro de que no patinarán con este lanzamiento, ak ak ak (trago la medicación)

Para este volverán a repetir la fórmula que tan buenos resultados dio en su primera edición, unas cuantas canciones de sus grupos insignia (Lagwagon y No Use For A Name) y una canción inédita de cada uno. Por parte de Joey caerán versiones de éxitos como Know It All, la escondida pero rompedora Alison’s Disease o la emocional Resolve y por parte de Tony algunas que ya teníamos ganas de escuchar en su vertiente acústica como Soulmate o Chasing Rainbows. Os dejamos con el tracklist completo y que sepais que ya se puede reservar en esta dirección.

Tracklist

1. I Must Be Hateful
2. Know It All
3. Confession
4. Alison’s Disease
5. Resolve
6. Broken Record
7. Black Box
8. Soulmate
9. Under the Garden
10. Chasing Rainbows
11. Pre-Medicated Murder
12. Liver Let Die

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Joey Cape

“La música es como la comida, ojalá la gente estuviera más abierta a probar nuevos platos”: entrevista con Joey Cape (Lagwagon, Bad Astronaut)

“It’s my job to keep punk-rock elite” cantaba Nofx en una declaración de intenciones sobre su implicación en que no se apagase la llama punk/hardcore que incendió el espectro musical en 1994 con la salida de discos épicos como Dookie (Green Day), Smash (The Offspring) o Punk In Drublic de los californianos. En ese boom estuvieron más culpables, por ejemplo Trashed del grupo Lagwagon, un grupo que poco a poco llegó a encumbrarse como una de las cinco mejores bandas del género (y quizás no en el puesto cinco) y que a día de hoy sigue siendo un estamento y un testamento para generaciones y generaciones de adolescentes y no-tan-adolescentes que siguen desempolvando el skate y atándose sus zapatillas Vans. Ya lo dicen ellos, ¿Lagwagon? creo que mi hermano mayor solía escucharlos…

Joey Cape

Pero Lagwagon sigue siendo tan actual como siempre y llena salas allá donde se le ocurra girar. Parte capital de este éxito es su front-man Joey Cape, el único que permanece de los miembros originales del grupo y que a lo largo de su carrera ha publicado diez discos con Lagwagon, cuatro con Bad Astronaut, otros tantos splits en acústico, unos cuantos proyectos paralelos (Afterburner, The Playing Favourites, Bad Loud, Scorpios…) y su dos LP en solitario. Desde luego alguien que nunca se ha aburrido y ha tenido claro que su vida es la música. Es un placer contar con él en esta entrevista en que repasamos su concepción de la música, la evolución del punk-rock en todos estos años, sus planes futuros y las influencias que han marcado su carrera.

Jimmy Jazz: Lo primero agradecerte la posibilidad de la entrevista e invitarte a volver al pasado en la primera pregunta. Para alguien que ha estado ahí desde el principio… ¿qué piensas de la evolución que ha sufrido la escena punk/hardcore desde los noventa? ¿Ha dado un giro demasiado grande hacia el metal o el screamo o conserva el espíritu de los primeros grupos?

Joey Cape: La verdad es que tengo sentimientos encontrados sobre ello. Desde luego que las cosas han cambiado y siempre están cambiando pero ahora mismo casi todo me parece reciclado de alguna forma. Es lo que pasa cuando te haces viejo, todo parece derivativo. No tengo problemas con lo que la gente considera que es punk, subversivo o irreverente. Esas son perspectivas que vienen dadas por la edad y la geografía. No puedo culpar a alguien por la época en la que nacieron o por de donde son. La gente tiene distintas perspectivas y puntos de vista. Siempre intento pensar que la música es como la comida. Simplemente me gustaría que la gente fuese más abierta de mente para probar nuevos platos. Muchas personas piensan en la música como una cuestión de tribus. Lo entiendo pero solo en la medida en que existe una gran solidaridad cuando una persona se encuentra dentro de una determinada escena, eso tiene que ser positivo, no tratar de dividir a la gente como a veces ocurre. Es parecido al nacionalismo o al fascismo. Siempre he disfrutado de muchos tipos distintos de música y sé lo que considero que es el punk rock pero me siento cómodo con la idea de que está influenciado por la época en la que vivo y mi perspectiva personal.

JJ: Al contrario que hace unos años, hoy en día todos los grandes nombres de las bandas de punk de los noventa tienen familia e hijos. Pensando que cuando todo empezó estos mismos eran adolescentes… ¿es la mentalidad punk la misma cuando se escribe o se tocan canciones?

JC: Bueno, solo puedo hablar por mí. Tener una hija ha cambiado mi vida y mis perspectivas por supuesto. Han cambiado mis prioridades, tengo ideas distintas sobre lo que es importante en la vida. Para escribir canciones me ha influenciado pero también el mero hecho de hacerme viejo. A veces para bien ya que hay una profundidad mayor y a veces para mal ya que no estoy inspirado tan a menudo. Todo ello es parte de la dinámica con la que tiene que lidiar cada artista y se interrelaciona al mismo tiempo. Está bien, solo depende de como lo mires y lo afrontes.

JJ: Hace un tiempo estuviste envuelto en la aventura de grabar un disco canción a canción (Doesn’t play well with others) e ir ofreciendo una cada mes. ¿Estás contento con los resultados y te planteas repetir la experiencia?

JC: Hace ya un tiempo de eso (risas)… pero sí, fue un reto y muy divertido. Probablemente lo vuelva a hacer algún día, bueno… quizás. Fue duro también (risas).

Joey Cape

JJ: Como compositor has vuelto a grabar algunas de las canciones de Lagwagon y Bad Astronaut para tus discos acústicos en solitario y también tus temas propios para discos de Lagwagon y Bad Loud. ¿Crees que la misma canción puede tener distintas versiones sin perder el espíritu original?

JC: Claro. Me encanta la versión más desnuda por las cadencias sutiles y la pureza de su convicción e integridad. Puedes realmente escuchar la canción y lo que el autor quería expresar en su versión acústica. Las versiones con un grupo están genial porque otros niveles de dinámicas entran en juego: el volumen, la velocidad, la tensión y sobre todo la intensidad se convierten en nuevos colores para el lienzo. Es un proceso muy distinto y ambas alternativas pueden tener mucha fuerza de distinta manera. Me encanta.

JJ: ¿Qué obras de cine, literatura y obviamente música te han influenciado más en tu carrera?

JC: En el cine mis favoritas son “Alguien voló sobre el nido del cuco”, “Ciudadano Kane” y “Matar a un ruiseñor” por nombrar unas pocas. Me encanta el cine. Me encantan las películas oscuras o tristes, algunas veces incluso perturbadoras como “Ciudad de Dios” o “Requiem por un sueño”. “Requiem por un sueño” tiene mi banda sonora favorita, de Clint Mansell. Tiene una fuerza increíble. También me gustan las películas más optimistas como “Shawshank Redemption” o “Birdy”. Soy un poco nena con las películas que te tocan la fibra, soy un viejo sentimental (risas).

En cuanto a libros, “El Quijote” vale muchísimo el tiempo que tardas en leerlo. Lo he empezado un montón de veces en los últimos dos años. “Matar a un ruiseñor” es un raro ejemplo de un libro impresionante que se convirtió en una gran película también. Un libro reciente que me encantó es “Tan fuerte, tan cerca” de Jonathan Safran Foer. No he visto la película aún pero imagino que no será tan buena. También lei la biografía de Bob Mould, “See a Little Light: The Trail of Rage and Melody” y me encantó. Y también “Kids of the Black Hole: Punk Rock in Postsuburban California” de Dewar MacLeod. Me pareció genial porque hay pocos libros basados en los principios del punk en el sur de California.

Y con respecto a la música he estado usando bastante Pandora y Spotify ultimamente. Las dos son grandes maneras de escuchar música según el ánimo que tengas y descubrir cosas nuevas mientras tanto. Pero por supuesto siempre estará mi colección de vinilos para absolutamente cualquier tipo de ánimo, sea Elliott Smith o sea Iron Maiden (risas).

JJ: Hace algunos años con el abandono de Jesse (bajista original del grupo) todo el mundo pensó que era el principio del fin de Lagwagon y el grupo sorprendió a todos con un tour europeo. Posteriormente sacó las reediciones de sus discos y actualmente sigue dando conciertos por todo el mundo. ¿Cual es la situación actual de la banda? ¿Hay alguna posibilidad de algún nuevo disco?

JC: Bueno, hemos estado hablando de hacer cosas nuevas pero cada uno en el grupo tiene ideas diferentes de como afrontarlo. No hay planes por el momento. No me interesa la idea de un nuevo disco entero, preferiría grabar un par de canciones e ir sacándolas de vez en cuando, una o dos a la vez. No estoy seguro de que el concepto y romanticismo de un álbum se mantenga hoy en día como solía ocurrir antes. Tampoco quiero que se me malinterprete, me encanta el formato vinilo y ese romanticismo de un LP. Solo que creo que se ha perdido algo en todo este mundo “digital”. Me gustaría grabar algo con el grupo pronto si es posible. Ya veremos.

Joey Cape

JJ: Precisamente esa gira había pasado por el Resurrection Fest (en un concierto que reseñamos aquí). ¿Alguna anécdota que contar de alguna de vuestras visitas a España?
JC: Pues no me viene nada a la cabeza. Sé que es una respuesta algo basura pero no recuerdo nada. Supongo que fue divertido cuando acabamos en una taberna de Ángeles del Infierno en Barcelona. Nah, más que gracioso dio un poco de miedo (risas).

JJ: Con el paso del tiempo los legendarios RKL se han convertido de alguna forma en la “cantera” de Lagwagon (todos los miembros de Lagwagon han pasado por allí al menos una temporada) ¿crees que el sonido RKL ha influenciado a los actuales Lagwagon?

JC: Sí. Crecí con Bomber, el autor de las canciones y la cabeza creativa detrás de la música de RKL. Hemos salido de un molde parecido, algunas de sus influencias son tambien las mías pero Bomber definitivamente hizo las cosas de una forma creativa que ninguno de nosotros ha considerado. Realmente creo que era un genio y su interpretación de nuestros heroes de la infancia es distinta a la mía. Algunos de los primeros discos de RKL, especialmente Rock n Roll Nightmare ha sido una influencia directa en mi forma de escribir para Lagwagon, sobre todo en los primeros discos.

JJ: ¿Con qué cinco canciones te quedarías de toda tu carrera?

JC: Pues así a bote pronto… Minus, A song for the missing, May 16th y Violins, I Always Knew This Was Going To End Badly.

JJ: Y ya para acabar, ¿Cuales son los planes de futuro de Joey Cape? ¿Algún nuevo proyecto?

JC: Estoy con muchos conciertos alrededor del mundo con Lagwagon. También algunos conciertos de Bad Loud entre las giras de Lagwagon. Ultimamente he estado grabando un montón de canciones acústicas para varios proyectos. Hace poco saqué un split con Hugo Mudie, dos canciones de cada uno en un vinilo de 12”. Acabo de terminar otro split del que no puedo hablar (risas). Ese está siendo masterizado hoy. Quizás otro disco en solitario, o uno con Scorpios… no estoy seguro.

Y con esa incertidumbre nos quedamos y os invitamos nuevamente a los conciertos que va a hacer con Lagwagon el mes que viene por la península. ¡Muy larga vida a Cape y los suyos!

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