Después de seis especiales, ya hemos dado una vuelta por toda la discografía de Green Day (o eso hemos intentado). Para cerrar el repaso por todo su trabajo, todavía nos queda comentar su famosa trilogía. Una apuesta demasiado arriesgada que ha gustado a sus fans pero que ha demostrado que, a veces, es mejor reunir los mejores temas y sacar un disco, que meterse en promociones faraónicas que en su conjunto pueden decepcionar a los más críticos. ¿Queréis saber qué pasó después de 21 Century Breakdown? Vamos a ello.

Tré, haz como que te caes… ¡y sácame un disco!

Era abril del 2012, y con un tweet de Billie Joe, comenzaba la revolución. Así nos enteramos de que finalmente Green Day no tendría un álbum sino tres. Toda una noticia que sorprendió desde el principio y que poco después se confirmó a través de su página web oficial con una declaración que nos dejaba ver lo ambicioso del proyecto y la ilusión que nuestros chicos le habían puesto a estos tres discos.

«We are at the most prolific and creative time in our lives. This is the best music we’ve ever written, and the songs just keep coming,» said the members of Green Day. «Instead of making one album, we are making a three album trilogy. Every song has the power and energy that represents Green Day on all emotional levels. We just can’t help ourselves… We are going epic as fuck!»

“Estamos en el momento más prolífico y creativo de nuestras vidas. Es la mejor música que hemos escrito nunca y las canciones siguen viniendo. En vez de hacer un álbum, estamos haciendo una trilogía de tres álbumes. Cada canción tiene el poder y energía que representa a Green Day a todo nivel emocional. No podemos esperar más… ¡Vamos a ser jodidamente épicos!”

Por fin daban señales de vida. ¡Y menudas señales! Esto era lo que había pasado con todo aquel material que habían grabado durante su gira para 21st Century Breakdown. Los chicos, que habían estado liados con algunas cosillas (como sus colaboraciones para marcas de ropa o en series de televisión), habían seguido componiendo y al final se habían juntado con más material del que tenían en mente. Pensaron que era bueno y decidieron que era el momento de no dejarse nada en el tintero. No estaban seguros, pero igualmente decidieron hacerlo, hasta Billie Joe sabía que era arriesgado:

“This could possibly be the greatest idea we´ve ever had or it could possibly the dumber idea we’ve ever had. And that’s really exciting to think about”

“Posiblemente esto puede ser la mejor idea que hemos tenido o posiblemente puede ser la idea más estúpida que hemos tenido nunca. Y es realmente emocionante pensarlo”

Tras el anuncio, vino toda la estrategia de marketing que desarrollaron al máximo con esta trilogía. Primero vídeos y más vídeos desde el estudio, después apariciones en programas de televisión, colaboraciones con series, películas y adelantos y canciones que iban surgiendo hasta de debajo de las piedras. Un no parar que volvió a llevarles a todas las portadas de la revistas y a ser los “niños bonitos” de muchos medios que al final acabaron por perderse entre tantas noticias de Green Day. La campaña fue espectacular, el resultado, algo diferente. Pero eso sí, de abril a diciembre de ese año, llenaron portadas e hicieron correr ríos de tinta.

Green Day más animados que nunca

Pero volvamos un poco atrás, que de nuevo nos adelantamos a los acontecimientos. Además de lo que había compuesto durante su última gira, Billie Joe tuvo una gran etapa creativa durante el tiempo que estuvo en Nueva York ayudando en la producción del Musical de American Idiot. Allí componía cada día y se llegó a juntar con más de 70 composiciones. Cuando volvió a Oakland, se reunió con sus compañeros y les mostró los temas. Finalmente seleccionarían unos 30 de todos los que había compuesto para ponerse manos a la obra. Decidieron que para poder trabajar a gusto era el momento de volver a los orígenes, a las guitarras y a las composiciones simples. Con todo esto en mente, se metieron al estudio.

Grabaron cerca de casa, en los estudios de Jingletown y se pusieron a trabajar con Rob Cavallo que compartía esa ganas de volver a algo más simple, a un sonido compuesto por una batería, un bajo, dos guitarras y la voz, dejando aparte las grandes composiciones con muchas partes que les habían hecho triunfar pero que saturan en gran medida. Según han comentado en numerosas ocasiones, volvieron a recuperar esa alegría de hacer música juntos por lo que se agarraron a su filón y continuaron adelante.

Vacilando de premios y disfrutando en el estudio

Para tantear un poco el terreno e intentar recuperar un poco el espíritu de los primeros años (plantarte delante de un grupo pequeño con cosas que no conocen), se subieron a los escenarios para presentar esas nuevas canciones que más tarde se incluirían en su trilogía. La primera vez que se pudieron escuchar nuevos temas fue el 11 de agosto de 2011 (ese terrible año en que Taylor Swift hizo un cover de Green Day y casi 9 meses antes del anuncio de los discos). El trío (ya casi cuarteto, vemos a Jason White bastante involucrado con todo el proceso) ofreció un concierto benéfico en el Tiki Bar en Costa Mesa. El show se anunció tan solo dos días antes de su celebración. Allí sorprendieron a su audiencia que pudo escuchar quince canciones inéditas hasta el momento, entre ellas Oh Love, Stray Heart o Wow, That’s Loud. Después del concierto agradecieron a sus fans la asistencia y publicaron en su web la letra de Amy (que también había sonado durante el concierto). Y se quedaron tan anchos, mientras los rumores comenzaban a surgir por todas partes. ¿Estaba cerca la publicación de su nuevo álbum?

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Durante ese año siguieron ofreciendo algunos pequeños conciertos sorpresa que se anunciaban unas horas antes a través de su página web. Otro de los más conocidos fue el que se celebró la noche de Halloween de ese año en el Webster Hall Studio en Nueva York. Se anunció que ese show estaría filmado para documentar el álbum en el que estaban trabajando, estaban dando pistas de que preparaban algo grande, pero sin soltar mucha prenda. Además durante el concierto ofrecieron a sus fans una preciosa estampa al cantar Monster Mash y aparecer vestidos Billie Joe de ¿Jack Skellington mezclado con Beetlejuice?, Mike de zombie y Tré, con su habitual extravagancia, de hada.

A Mike no le hizo falta maquillaje y a Tré no le hizo falta que se lo dijeran dos veces

Entre show y show, seguían metidos en esas sesiones de grabación y de preparación. Una etapa que ellos mismos han descrito como feliz y sin presión. Estaban haciendo lo que más les gustaba, y se sentían a gusto. Ese tiempo en el estudio, también nos trajo algunos momentos divertidos como su particular felicitación a Metallica a los que les dedicaron, en su 30 cumpleaños, una versión de Hybrid Moments de Misfits.

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Llegados a este punto de sus carreras, ya tienen más que asimilado que son estrellas de rock, se han convertido en todo aquello que odiaban desde el principio, pero intentaran llevarlo de la mejor manera posible, aunque sea presentando este proyecto a modo de broma. Después de 21st Century Breakdown sabían que definitivamente habían cerrado un episodio de su vida, y que era el momento de decidir cómo dar el siguiente paso. Según unas declaraciones para Rocksound justo después del lanzamiento del álbum Arsmtrong declaraba:

“I wouldn’t necessarily call it an episode but it was definitely close. It was just a stressfully process and the hardest thing for Green Day is to be patient, especially in my case. It’s all good now and it seems like everything is going alright so far. Slowly but surely you get a little distance from the album and it allows you to be a bit more objective about the record too”

“No lo llamaría necesariamente un episodio pero está definitivamente cerrado. Fue un proceso estresante y lo más difícil para Green Day es ser pacientes, sobre todo en mi caso. Ahora está todo bien y parece como si todo fuera bien y rápido. Despacio pero seguro te vas tomando una distancia del álbum y esto te permite ser un poco más objetivo sobre el disco también”

A la hora de comenzar a grabar la trilogía, tenían mucho más claro lo que estaban buscando. Era el momento de dejar atrás la presión y volver a intentar hacer las cosas de otra manera. La grandilocuencia de las óperas debía quedar atrás, por lo que la solución era mirar a las cosas que habían hecho antes, sin perder todo aquello que habían ganado con ellos. Con una nueva visión, aunque sin saber muy bien qué saldría de ello, según se extrae de estas declaraciones de Arsmtrong para NME (julio del 2012).

“I think it’s gonna be a fun ride, and the point of us starting to make these records was just to have more fun. Things got a little stressful towards the end of 21st Century Breakdown and we were feeling the pressure. And when we did, it ended up being three records. We didn’t know it was gonna be like that. The philosophy is to expect the unexpected”

“Creo que va a ser un viaje divertido, y el punto desde el que hemos partido para hacer estos discos era solo tener más diversión. Las cosas eran un poco estresantes al acabar 21st Century Breakdown y estábamos notando la presión. Y cuando lo hicimos, esto acabo siendo tres discos. No sabíamos que iba a ser así. La filosofía es esperar lo inesperado”

Al principio su idea no era componer para hacer tres discos, era hacer uno bueno. Quizá esto precisamente era lo que deberían haber hecho. Pero a medida que iban surgiendo los temas, se dieron cuenta de que tenían material para grabar tres buenos álbumes. Y decidieron que ese espíritu de diversión que estaban buscando se involucrará en el proceso. Harían tres discos y pondrían su cara en cada uno de ellos. Querían hacer algo más power-pop, según sus propias palabras, llenar el hueco que hay entre AC/DC y los Beatles de los primeros años. Volver a componer todos juntos ha sido algo que ha ayudado bastante a que ambas cosas sucedan, tanto la diversión como volver a un sonido más sucio, más hamburguesero como diría nuestro compañero Billy Shears.

Aunque todos sabíamos que algo estaban tramando, el anuncio oficial de que estaban en el estudio fue, nada menos, que el día de los enamorados, a través del twitter de Armstrong. Poco después comenzaron a confirmar fechas en Europa y empezaron a subir vídeos desde el estudio a través de su página web. La maquinaría estaba en marcha.

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Como ya hemos dicho fue abril el mes en el que confirmaron su trilogía. Pero ese mes también fue importante para Green Day ya que fueron los encargados de introducir a los Guns N’ Roses en el Rock and Roll Hall of Fame. Billie Joe ya había participado durante el 2010 en la ceremonia para introducir a The Stooges, pero en esta ocasión estaban todos juntos mientras Arsmtrong leía un emotivo discurso que comenzaba de esta forma:

“My name is Billie Joe, this is Mike and this is Tre Cool and we’re here to induce Guns N’ Roses into the Rock and Roll Hall of Fame. The first time I saw Guns N’ Roses on MTV I thought, one of these guys could end dead or in jail. ” [..]

“Mi nombre es Billie Joe, este es Mike y este es Tre Cool y estamos aquí para inducir a los Guns N’ Roses en el Rock and Roll Hall of Fame. La primera vez que vi a los Guns N’ Roses en MTV pensé “Uno de esos tíos puede que acabe muerto o en la cárcel”. [..]

Para su actuación durante la gala, no tocaron ninguno de sus nuevos temas, eligieron Letterbomb y la tocaron de maravilla.

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¡Uno! (2012)

¡Uno! fue el primero en salir a la venta. El álbum no tuvo una mala acogida, y realmente no era malo, pero tampoco nada del otro mundo. Volvemos a ver la habitual mezcla de estilos en el tracklist en el que se incluyen algunos temas que estamos seguros que se convertirán en clásicos en sus conciertos, pero no es un disco excepcional. No era lo que esperábamos, no rompía esquemas, y nos dejaba con la mosca detrás de la oreja esperando a los otros dos. Al menos ¡Uno! nos demostraba que han sabido aprovechar el avance en la lírica tras sus dos anteriores óperas y que cada día mejoraban más y más en el sonido. Pero nos traía más de lo mismo.

¡Uno!es el inicio de todo.Nuclear Family da el pistoletazo de salida a la trilogía, pegadiza y estupenda era una buena forma de abrir ¿Quién no querría comenzarla con una canción como esta con su cuenta atrás y todo? Después cómo no seguir con el espíritu de la fiesta con un grito tan particular como Carpe Diem, seguida de la explosión de Let Yourself Go y del punk bailable de Kill the DJ. La fiesta no puede ir mejor hasta que le llega el momento al rock más clásico de Loss of Control y la sencillez de Troublemaker. Pero ahí está Angel Blue para hacernos recuperar la energía. ¡Uno! es un disco divertido y escuchable, podría haber sido mucho peor.

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De ¡Uno! se extrajeron varios sencillos. El primero de ellos fue Oh Love, y algunos nos llevamos las manos a la cabeza cuando lo escuchamos, temimos que todo fuera así, pero no fue así. El segundo fue Kill the DJ, que nos volvió a dejar a todos a cuadros. Al menos el susto se nos pasó tras escuchar el tercero de ellos, Let Yourself Go. Aunque ya hemos hecho un repaso por sus temas, de este disco no queremos dejar de citar Stay the Night (que recuerda mucho a los Green Day de finales de los 90), el rock de Troublemaker o la vuelta a la juventud con Fell for You.

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De este primer álbum pudimos ver varios vídeos. El primero de ellos fue el de Oh Love con sus múltiples versiones (incluida una de Playboy con más chicha) y su «Behind the Scenes». Kill the Dj que nos mostraba al trío más chulo que nunca, paseando su altanería por las pistas de baile. Después publicaron los de Nuclear Family, Stay the Night y Troublemaker que solo mostraban imágenes desde su local de ensayo o de algunos directos.

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Con este primer álbum comenzó la campaña a lo bestia en la que se han incluido: una aplicación para que hicieras una de las portadas con tu cara, que Billie Joe se uniera de jurado a la versión estadounidense de La Voz, que lanzaran algunos temas como parte de la serie de CSI, que visitaran Japón para promocionarse, que reeditaran todos sus discos, la aplicación oficial de Green Day, un juego con los Angry Birds y un largo etcétera.

Con ¡Uno! también llegaron los primeros conciertos y los actos promocionales, que presentaron con un tráiler que llevaba unos arreglos musicales excepcionales. Pero también llegaron las primeras decepciones para los fans de la banda que vieron como algunas actuaciones eran canceladas (cosa rara en el trío). La primera de ellas en Bolonia, Italia, debido a una severa deshidratación de Billie Joe. Aunque confirmaron que harían lo que fuera para estar disponibles en su próximo acto, la gala de los MTV Video Music Awards.

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Con este álbum recuperaremos a aquellos Green Day a los que les gustaba liarla. Durante su actuación en los MTV Awards, a los que sí que fueron, dejaron que el público invadiera el escenario mientras ello tocaban, con toda la locura que eso conllevó. A un día del lanzamiento de ¡Uno! también pudimos ver a Billie Joe usando miles de millones de veces en menos de tres minutos «fuck», su palabra favorita. Por supuesto, nos referimos a su actuación durante el iHeart Festival. Ese momento en el que Arsmtrong perdió los papeles tras ver un cartel en el que se indica un minuto, se pensó que le recortaban tiempo de la actuación y esto fue lo que pasó.

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Por lo que se puede observar, las cosas no iban bien desde el principio. Planos abiertos y generales cuando está mostrando su torso. ¿No os extraña la cara tan seria de Tré que generalmente suele tener una sonrisa en sus labios? ¿No notáis como Arsmtrong pierde la voz en St. Jimmy u Oh Love? Para que lo podáis comprobar, os dejamos el directo de esta última en una televisión japonesa, la diferencia se nota a la legua. Tras el cabreo Billie destroza su guitarra, Mike se anima y la rompe también (¿para aportar normalidad a la situación?), mientras Tré y Jason muy diplomáticamente salen sin hacer ruido antes de que Arsmtrong haga el remate final tirando el micrófono al aire.

«En tres, dos, uno la lío»

Tras esta actuación leímos de todo en la web sobre él. Finalmente la banda hizo un comunicado oficial en el que pedían perdón y nos contaban que el frontman de Green Day iba a necesitar rehabilitación. Mucha gente se pronunció ante la actuación de Billie Joe. Muchos músicos (por ejemplo, Brian Fallon de The Gaslight Anthem) se plantearon qué es lo que se debe y cómo se debe hacer en público. Recordemos que tras actuaciones con la de Woodstock antes esto no nos hubiera sorprendido tanto.

“You can never judge what someone does in public because you have no idea what the circunstances are behind that” said Fallon “He could have had the worst day ever. Honestly, last time I checked that was Billie Joe of the punk rock band Green Day. You mean a punk rocker acted angry? Oh, no surprising! Smash guitars? Wait, I thought that’s what punk rockers are supposed to do?”

“Nunca puedes juzgar que se hace en público ya que no tienes ni idea de que circunstancias hay detrás. Podía haber tenido el peor día de su vida. Sinceramente, la última vez que lo revise era Billie Joe de la banda de punk rock Green Day. ¿Te refieres a un punk rocker enfadado? ¡Oh, no, sorpresa! ¿Destrozando guitarras? Espera, ¿no es eso lo que deben hacer los punk rockers?”

Los problemillas de Billie Joe hicieron que el lanzamiento de ¡Dos! pasara algo desapercibido. Además conllevaron que se anularan varios conciertos, shows promocionales y que se adelantara la salida de ¡Tré! Hasta Rob Cavallo se pronunció ante los problemas de Armstrong declarando claro que la situación era preocupante y que no sabía si estaría bien antes o después de navidad.

“His rehab is no joke. He’s under medical supervision for a while to get him clean”

“Su rehabilitación no es una broma. Estará un tiempo bajo supervisión médica para estar limpio”

También tuvieron que cancelar su actuación en el Voodoo Music Festival en el que fueron sustituidos por Metallica que les dedicaron una version con la parte de American Idiot que eran capaces de tocar. Pero bueno, una de cal y otra de arena. Tras el lanzamiento de ¡Uno! también pudimos disfrutar de algunos grandes directos como el que hicieron desde Times Square para Good Morning America o el directo desde el Irving Plaza en un evento para Nokia.

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¡Dos! (2012)

La salida al mercado de ¡Dos! estuvo empeñada por la preocupación de los miembros de Green Day por la salud de Billie. En los medios sus compañeros le dedicaban buenas palabras y agradecían a todo el mundo el apoyo en esos momentos. Normal, la adicción de Billie les había pillado en pleno auge promocional.

“Obviously the timing for this isn’t ideal, but Billie Joe’s well-being is our main concern,” said Mike Dirnt. “We are happy to say that Billie Joe is doing well, and we want to thank you all for the outpouring of support and well wishes that we have received, and we can’t wait to see you all again soon.”

“Obviamente el momento no es el ideal, pero el bienestar de Billie Joe es nuestra principal preocupación. Estamos contentos de decir que Billie Joe lo está haciendo bien, y queremos agradecer a todos el efusivo apoyo y los buenos deseos que hemos recibido, y no podemos esperar para veros a todos pronto”

“We feel bad we have to delay our tour, so to make up for it we want to give our fans the music earlier than we had planned,” said Tré Cool. “If we couldn’t be there to play it for you live, the least we could do was give you the next best thing.”

“Nos sentimos mal por tener que retrasar nuestra gira, así que para compensarlo queremos darle a nuestros fans la música antes de lo que teníamos planeado. Si no ponemos estar ahí para tocarlo en vivo, lo mínimo que podemos hacer es daros lo siguiente mejor”

¡Dos! fue mejor acogido por los críticos que su predecesor. Algo más rápido que el primero, tiene temas que parecen más cohesionado, las canciones y su orden parecen tener mucho más sentido que en ¡Uno! Al menos en esta ocasión el disco se deja escuchar al completo sin que te entren ganas de pasar alguna de ellas.

¡Dos! tan solo tuvo un sencillo, Stray Heart, que adelantó su estreno para los miembros del Idiot Club. Este single vino con su vídeo, uno de los más elaborados hasta el momento, con unos detalles muy cuidados gracias a los que no echamos de menos a la banda aunque no les veamos en todo el vídeo. Además el álbum nos deja grandes canciones como Fuck You (ese tema compuesto para los Foxboro Hot Tubs pero que gracias a los dioses incluyeron en su álbum), Stop When The Red Lights Flash con sus maravillosas guitarras iniciales acompañadas a la perfección por esa batería que va subiendo el ritmo o Makeout Party un poco más cercana al Rock and Roll.

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Según han declarado para diferentes medios ¡Uno! sería el comienzo con un sonido más power-pop, ¡Dos! más cercano al garaje como si fuera una fiesta y ¡Tré! representa el final y las consecuencias. Bajo este punto de vista, dentro de ¡Dos!, See You Tonight serviría como una introducción para Fuck Time, Stop When The Red Lights Flash o Lazy Bones, ese momento en el que solo buscas diversión. Después llegaríamos a ese punto en el que te das cuenta que todo se te ha ido de las manos como pasa en Ashley (con su sonido más punk) o en Baby Eyes. Para acabar de bajón con Wow! That’s Loud o en una reflexión más profunda como en Amy.

¡Tré! (2012)

¡Tré! es el más reciente de los tres, y es casi un completo desconocido para nosotros. Os recordamos que esta serie de especiales los empezamos para celebrar su lanzamiento. Según ellos este iba a ser el más épico de los tres. El disco no ha recibido malas críticas y no es un mal álbum, pero no es tan épico como ellos nos lo pintaban.

El primer sencillo de ¡Tré! fue The Forgotten, se lanzó junto con su vídeo y la noticia de que esta canción formaría parte de la banda sonora de la última película de la saga Crepúsculo, por lo que en ese clip se podían ver escenas de la película. El segundo sencillo fue X-Kid que vino acompañado de un vídeo que era una oda a la simplicidad, una cinta de casete que se pone a funcionar cuando le dabas al play con el nombre escrito a mano en la etiqueta. ¿Quién no ha tenido una de esas?

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De ¡Tré! no nos gustaría dejar de mencionar Dirty Rottem Bastards y sus cambios de ritmo, la excepcional apertura de Brutal Love o Little Boy Named Train (cuya apertura nos recuerda ligeramente a Carpe Diem), que nos hace volver de nuevo a esos amados 90. Y aunque para la trilogía han dejado atrás toda la crítica política, habrá un lugar en el álbum para los temas sociales. ¡Tré! incluye 99 Revolutions que habla sobre el movimiento de Wall Street y lo que la banda opina en torno a este tema, no solo centrándose en los ocupas. Según Armstrong para NME:

“[…]deals with everything, not just lefties but it goes all the way up to cops and fireman and unions, and that’s where we come from, the working class. It’s our DNA!”

“[…]trata de todo, no solo de la gente de izquierdas también sobre los policías, los bomberos y sindicatos, y esto es de donde venimos, de la clase obrera. ¡Es nuestro ADN!”

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Este álbum puede ser épico por las letras de sus canciones, por el cambio que suponen y el gran paso adelante que se da con ellas. Canciones como la desgarradora Brutal Love y sus reflexiones sobre las mentes perturbadas por él. 8th Avenue Serenade que se centra más en un «no pases por la vida sin pena ni gloria, haz algo antes de que las llamas te devoren». Son temas que no habíamos visto con anterioridad, pero claro la crisis de los 40 es lo que tiene. X-Kid es una asimilación al mundo adulto. Dirty Rottem Bastards, por su parte, es otra reflexión sobre la vida y sus decepciones. ¿Alguien de 20 años se preocupa por todo esto aunque lo coreé frenéticamente en un concierto?

«Calling all demons, this is the season
The next stop is therapy. We’re the retarded
And the broken-hearted. The season of misery»

Tras la publicación de ¡Tré!, siguieron con la promoción y anunciaron ¡Quatro! El documental que contaría todo el proceso de producción de los tres álbumes. Estaría dirigido por Tim Wheeler y producido por Tim Lynch, para mostrar algunos directos durante su gira y mucho material en el estudio. Varios clips se han ido presentado en VH1 y MTV en los últimos meses, pero para la versión completa habrá que esperar al 2013. Según Mike Dirnt es un complemento, una forma de hacer que todo el mundo entienda de dónde han surgido estos tres discos.

“Over the last year while we were recording our trilogy, we posted multiple clips every week so fans can see parts of the recording process of ¡Uno! ¡Dos! ¡Tré!,” said Green Day’s Mike Dirnt. “¡Quatro! brings our fans one step closer by giving them even more access and revealing what it was like for us to make these records.”

“Durante el año pasado mientras estabamos grabando nuestra trilogía, subimos muchos clips a la semana para que los fans pudieran ver partes del proceso de grabación de ¡Uno! ¡Dos! y ¡Tré!. ¡Quatro! trae a nuestros fans un paso más cerca, dándoles más acceso y revelando que fue para nosotros hacer estos discos”

Con esto, hemos llegado al final de este extenso repaso por la carrera de Green Day. Once discos de estudio, directos, DVDs, miles de noticias y buenas (o malas) críticas resumen la carrera de estos simpáticos punkis. Una extensa carrera para un trío que se ha sabido adaptar perfectamente a la industria musical actual a la que han intentado revolucionar sacando tres discos en tan solo unos meses. ¿Lo han conseguido? Eso es cuestión de opiniones. Por ello, acabaremos con una pregunta a modo de reflexión: qué os parece la trilogía, ¿broche de oro a su carrera o simple transición (un poco exagerada) antes de su próximo éxito?

PD: ¡Felices fiestas y villancicos para todos!

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Especial Green Day:

1. Los inicios
2. Dando el salto
3. Cómo perder el sueño
4. La crisis
5. Una noche en la ópera
6. La ópera no acaba
7. Uno, dos, tres

Green Day: Página oficial | Facebook | Twitter | Last.fm

Seguimos adelante con nuestros especiales de Green Day. Ya hemos dejado atrás siete discos de estudio, dos recopilatorios y varios directos. Lo que nos acerca a la actualidad y a la recta final de sus carreras. Parece mentira decir esto y que todavía nos queden por lo menos cinco discos a tener en cuenta. Y es que nuestro trío protagonista ha sabido cómo mantenerse en el candelero después de llegar a la cima. ¿Queréis saber qué pasó después de American Idiot? Vamos con ello.

Punkis de moqueta o de alfombra roja, ellos valen para todo

Tras su anterior álbum, la extensa gira que supuso y toda la promoción que hicieron, Green Day estaban exhaustos de nuevo (cual pescadilla que se muerde la cola, repetimos el ciclo). De nuevo volvieron a aparecer los problemas de comunicación entre ellos y nuestro trío volvió a necesitar urgentemente un respiro. Toda la confianza, el soplo de nostalgia y los aires de reencuentro con los amigos y sus viejas canciones que había supuesto para ellos la publicación de International Superhits! quedaban atrás. Había que seguir adelante y esta vez había mucha más presión, o así lo sentían ellos. Sabían que lo siguiente que crearan y sacaran al mundo sería analizado con lupa. ¿Iban a ser capaces de volver a hacerlo?

Antes de ponerse a trabajar en algo más serio, nos volvieron a regalar algunas colaboraciones más. La primera de ellas sería, nada más y nada menos que con U2. Durante un tiempo la red se llenó de rumores sobre una supuesta colaboración entre los californianos y los irlandeses. Poco después se confirmaría que estaban preparando una versión de The Saints Are Coming, una canción que originariamente pertenecía al grupo punk rock The Skids, en los estudios de Abbey Road donde U2 estaba trabajando en esos momentos. Todas las dudas se disiparon cuando ambas formaciones confirmaron la noticia y anunciaron una actuación conjunta el 25 de septiembre del 2006. La colaboración tendría fines benéficos. Todo lo recaudado iría destinado a la fundación Music Rising creada por The Edge (guitarrista de U2) para ayudar a los músicos de Nueva Orleans que habían perdido sus instrumentos durante el huracán Katrina.

Billie Joe estilo Lublú siniestro para su momentazo con U2

El show que ofrecieron Green Day y U2 fue bastante significativo. Tuvo lugar en el Superdome de Nueva Orleans durante el primer partido que se jugó en el estadio tras la desolación que había dejado a su paso el huracán. Durante el concierto se tocaron temas representativos de ambas bandas, en concreto Wake Me Up When September Ends, The Saints Are Coming y Beautiful Day. La versión de estudio y en directo de The Saints Are Coming se lanzaron como un sencillo junto con un vídeo en el que se incluyeron imágenes del directo y de las dos bandas durante el proceso de grabación. Como nos parece mucho más interesante el directo que el vídeo que montaron, os dejamos la actuación completa que se hizo desde Nueva Orleans. Son solo nueve minutos, pero no tienen desperdicio.

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En 2007 Green Day siguieron con sus proyectos altruistas. Participaron en el recopilatorio Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur, un disco que, tal y como su nombre indica claramente, recaudaba dinero para Amnistía Internacional para ayudar a las víctimas de Darfur. Como aportación, hicieron una particular versión de Working Class Hero de John Lennon del que también sacaron un vídeo. Ese mismo año hicieron otra colaboración mucho más molona y menos altruista. Participaron en la película de The Simpsons interpretando el tema central en pleno concierto en Springfield (también saldrá la versión fúnebre de American Idiot cuando se hunden en el lago). Además, lanzaron más material en directo. Ese año se público Live Without Warning, un DVD en el que se ven imágenes en directo de un concierto que dieron para MTV tras lanzar Warning y de un concierto grabado justo después de lanzar Nimrod. Vamos, un repasito por sus éxitos iniciales. Os recordamos uno de ellos.

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Para acabar de eliminar estrés, ese año Green Day volvieron a abogar por la diversión y se metieron en otro de sus proyectos alternativos. La diferencia está en que esta vez sí que lo reconocieron. Un día en MySpace (era lo que se estilaba, qué le vamos a hacer) apareció el perfil de una nueva banda, los Foxboro Hot Tubs, que comenzaron a hacer marketing viral a través de la red para mostrar sus canciones. Poco después lanzaron y pusieron en streaming su primer trabajo: Stop, Drop and Roll!!! Pero eran una banda demasiado buena para estar solo en el ciberespacio y la voz del cantante se parecía demasiado a la de Billie Joe. De nuevo los rumores comenzaron a correr.

Otra vez las similitudes eran escandalosas: la discográfica que aparecía en la parte posterior del álbum era Jingle Town (lugar de procedencia de St. Jimmy y nombre de Oakland en argot), el logo del triángulo con la cabra que aparecía en su web era muy parecido a uno que se veía en la web de The Network (otra casualidad) o su nombre, Foxboro, era una comunidad cercana a la residencia de Billie y Mike cuando eran jóvenes. Pero lo más evidente era la forma de tocar. Esa batería era muy característica (sonaba muy Tré) y había ciertos parecidos entre los temas. Por ejemplo el riff de Ruby Room tiene un «ligero» parecido al de Hitchin’ a Ride.

Esta vez solo tardaron unos meses en confirmar que eran ellos. Aunque había pocas dudas, lo hicieron oficial a través de un correo electrónico a MTV. Nuestros Green Day viajaron a los años 60 para traernos este sonido que fueron promocionando a través de su web, con algunos sencillos que fueron grandes éxitos (como por ejemplo Mother Mary), vídeos oficiales y a través de una serie de pequeños conciertos que a veces combinaban después de sus grandes actuaciones. Además durante estos shows a veces tocaron algún cover de The Network (por si os quedaba alguna duda todavía) y de Green Day, por lo que todos ellos hicieron las delicias de sus fans como podéis comprobar en las siguientes imágenes.

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21st Century Breakdown (2009)

Con Foxboro Hot Tubs nos hemos vuelto a adelantar a los acontecimientos por lo que tenemos que volver un poco atrás para retomar la historia de Green Day. Las sesiones de trabajo para 21st Century Breakdown comenzaron en 2006. Acababan de volver de un descanso después de que Dirnt se fuera a Europa, Tré a Cuba a dar lecciones de batería y Armstrong a recorrer mundo. Parecían encerrados en sí mismos de nuevo, y aunque los Foxboro Hot Tubs les ayudaron a volver a conectar con la sociedad y a recuperar algo de la ilusión que estaban perdiendo (¿cuántas veces han perdido y recuperado la ilusión esta gente ya?), el proceso de grabación fue duro. Según Armstrong para la revista Q en mayo del 2009, las sesiones en el estudio con Butch Vig y Rob Cavallo eran bastante estresantes.

“It’s been probably the hardest record we’ve ever made” […] “We had some new tools for how we wanted to approach songwriting, but we didn’t have a fucking idea where we were going to go”

“Probablemente ha sido el disco más complicado que hemos hecho nunca” […] “Tuvimos nuevas herramientas para la forma en que queríamos escribir canciones, pero no teníamos ni jodida idea de a dónde íbamos a ir”

Decidieron usar cualquier cosa que les pasaba por la cabeza: la información en internet y en televisión, el caos mundial, la crisis, la depresión, etc. Volvieron a escribir sobre lo que se estaba viviendo en América en ese momento. Todo el proceso del disco lo llevaron con bastante secreto hasta que en 2007 dijeron tener al menos 45 canciones, algunas de ellas compuestas con piano en vez de con guitarra. Pero tendrían que pasar otros dos largos años más. No sería hasta 2009, en la ceremonia de los Grammys, cuando volvieron a dar noticias de su octavo álbum. En este evento Billie Joe confirmó que se llamaría 21st Century Breakdown, que ya estaba grabado y habló sobre la temática. Seguían preocupados por el mundo que les rodeaba y habían pretendido hacer una instantánea del mundo que les rodeaba poniendo en entredicho a la autoridad.

Desde el principio, 21st Century Breakdown fue un éxito comercial y les volvió a convertir en los chicos más fotografiados del punk. Después de American Idiot era difícil no quererles. Además la fórmula de la ópera punk les volvió a funcionar a la perfección. El álbum, dividido en tres actos, nos cuenta la historia de Christian y Gloria, una pareja que intenta sobrevivir al mundo lleno de histeria que les rodea poniendo como escenario la América moderna (la de la administración Bush). Lo extraño es que, después de todo, no es un disco conceptual. Las canciones mantienen una relación pero no llegan a estar completamente conectadas. De cualquier manera, era un éxito absoluto que les volvió a poner en boca de todos los medios. ¿Serían los mismos que sobrecargan de información y ellos criticaban?

Mike Dirnt tiene todas las características y las poses para ser un modelo de tuenti estupendo

Durante las sesiones, Billie Joe experimentó grabando su propia versión de una ópera de los Who, A Quick One While He’s Away, y de nuevo volvió a la rutina de no hablar con sus compañeros. Grababa sus partes vocales de forma independiente, por lo que a veces ni entendían de lo qué estaba hablando. Hasta 2008 no se le pasó lo que fuera que le llevaba a apartarse del resto. Pero al fin decidió sentarse con sus compañeros para leerles las letras una a una e intentar que el proceso de grabación acabara mejor de lo que había empezado. En este disco volvió a exponer todos sus sentimientos, de hecho en algunas canciones como en Before the Lobotomy, habla en primera persona. Quería expresar toda la neurosis que se había generado en torno a toda la información que disponemos y la importancia que se le da a cosas tan absurdas como al perro de Obama.

De nuevo los críticos dijeron de todo. Algunos lo relacionaron más con el pop rock y otros con el rock más clásico. Lo que es indudable es que era un buen trabajo. Si era lo que ellos estaban buscando, no lo sabemos. Es posible que el éxito del álbum no añadiera más que presión a su nuevo estatus de super-estrellas. Armstrong en todas sus declaraciones hablaba de la frustración durante el proceso de grabación y de las ganas de divertirse, algo que trasladará a sus tres próximos discos (ya sabéis, siempre adelantando acontecimientos). Según unas declaraciones para la revista Q:

“I think after Dookie the worst thing that anyone could have called me was a rock star” […] “I was trying to destroy everything that had to do with it. Y’Know, I could have enjoyed myself a little more. It took us 10 years. During American Idiot it was like, ‘Man, there’s nothing wrong with being ambitious. Let’s just enjoy ourselves more’”

“Creo que después de Dookie lo peor cosa que me podía llamar alguien era estrella de rock” […] “Estaba tratando de destruir todo lo que tuviera que ver con esto. Sabes, podría haber disfrutado un poco más. Durante American Idiot fue como, ‘Hombre, no hay nada malo con ser ambicioso. Vamos a divertirnos más’”

De entre las 18 canciones, los sencillos que se eligieron fueron: Know Your Enemy, 21st Century Breakdown, East Jesus Nowhere, 21 Guns y All the American Girls. En esta ocasión, como hemos hecho en anteriores ocasiones, no nos gustaría dejar de mencionar otros de los grandes temas de este álbum como: Peacemaker (¿tendrá alguna relación con Troublemaker?), el sonido más garajero de Horseshoes and Handgrenades o ¿Viva la Gloria? (Little Girl) y su apertura con piano.

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Todos los singles tuvieron sus respectivos vídeos. Know Your Enemy con ellos sobre plataformas (otro elemento que les encanta), muchas cámaras y alambradas de pinchos. Después East Jesus of Nowhere con imágenes en directo, 21st Century Breakdown, dirigido por Marc Webber (con una interesante animación en blanco y negro) y las entrañables y agujereadas imágenes para 21 Guns. Por último lanzaron el de Last of The American Girls, ese en el que unas rubias te acompañan a todas partes y te hacen la coreografía cada mañana (el sueño de muchos).

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Después de un nuevo gran éxito vino la habitual época de resaca. Otra vez. Pero en esta ocasión no pasaría más de un año entre noticia y noticia de Green Day. En el 2009 publicaron un EP en vivo Last Night On Earth: Live in Tokyo, en el 2010 lanzaron su versión del videojuego Rock Band y en 2011 colaboran con Hüsker Dü en el Record Store Day de ese año lanzando un vinilo con la canción Don’t Want To Know If You Are Lonely. Salió con la versión original y el cover de Green Day.

Awesome as Fuck (2011)

Desde el 2010 se comenzaron a filtrar noticias sobre un nuevo disco de Green Day. Era extraño en tan poco tiempo, pero el trío declaró que habían estado grabando algunas demos durante su gira europea y estaban intentando darles salida. Demasiado pronto, al final esta idea y ese material no se gestarían en todo su esplendor hasta 2012 (como ya veremos en el próximo especial). Finalmente entre concierto y concierto, alguna noticia más y rumores varios, pasó un año y no publicaron nada nuevo. Para dejar algo contentos a sus seguidores, en el 2011 presentaron una nueva canción y anunciaron su Awesome as Fuck, un nuevo disco en directo. Ese nuevo tema al que nos referíamos antes se tituló Cigarettes and Valentines (como su álbum desaparecido) y venía con un vídeo de imágenes de un directo que formaría parte del DVD, aunque la canción no formó parte del tracklist del disco en directo.

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Awesome as Fuck contiene los temas en directo que se grabaron durante algunos conciertos del 21st Century Breakdown tour del 2009 al 2011, mientras que el DVD tan solo muestra imágenes de dos conciertos realizados en Japón durante esa gira. De nuevo se repite la historia (remember Bullet in A Bible): disco, éxito y directo con DVD. Esta vez les faltaría el recopilatorio. De cara a las ventas hubiera estado bien, pero ya sería demasiado evidente.

Después de Awesome As Fuck al trío todavía le quedaron ganas de publicar algo más y a inicios del 2012 publicó On The Radio otro disco en directo. En esta ocasión se incluía una sesión grabada en 1992 en una radio mientras estaban haciendo actos promocionals para Kerpluk!. ¿Qué nos encontramos? Canciones de los primeros álbumes y EPs. Toda una gran retrospectiva a sus primeros trabajos. Parecía que querían volver a sus orígenes. ¿Nos estaban dando pistas de lo que estaban preparando?

Y aquí nos vamos a quedar. En ese momento en el que Green Day habían prometido material y simplemente habían sacado dos directos, uno nuevo y otro de sus años mozos. En ese momento en el que sus fans siguen expectantes y confiados sin saber todo lo que se les viene encima. En ese momento en el que nos preguntábamos qué sería lo siguiente y qué había pasado con ese material que habrían grabado durante su gira. Pero eso señores, lo dejamos para el último especial que nos queda.

Especial Green Day:
Los inicios | Dando el salto | Cómo perder el sueño | La crisis | Una noche en la ópera | La ópera no acaba | Más próximamente…
Green Day: Página oficial | Facebook | Twitter | Last.fm

Vamos llegando a la recta final en nuestro especial de Green Day, pero todavía nos queda bastante por desgranar. Sabemos que os prometimos cinco especiales, pero (para vuestra desesperación) al final, nos va a salir alguno más. Y es que Green Day son mucho Green Day. ¿Os apetece seguir indagando en sus carreras y saber cómo llegaron al mundo de las óperas punk? Here we go!

Palomitas para verlas venir

Tras su tour con blink-182, nuestro trío se volvió a encerrar en el estudio para seguir trabajando. Volvían a tener en mente la idea de hacer algo nuevo, de encontrar lo que estaban buscando. En esta ocasión una de las cosas que intentaron fue volver a divertirse y eliminar algo de tensión, aunque no lo quisieron reconocer. Durante toda su carrera los chicos de Green Day han tenido proyectos paralelos, por ejemplo Mike tiene The Frustrators y Billie tiene Pinhead Gundpodwer, y nunca nos ha extrañado. Por aquella época surgió The Network, un grupo de enmascarados que por las referencias, su parecido físico y la forma de tocar, enseguida se relacionaron con Green Day. Aunque nunca lo llegaron a confirmar, es difícil dudar de quién estaba debajo de esas máscaras, ¿no creéis?

¿Quién es quien?

The Network publicó su primer y único álbum en 2003 con Adeline Records, la discográfica de Arsmtrong. Se tituló Money Money 2020 y estuvo envuelto en un halo de misterio ya que los componentes de su formación nunca enseñaron sus rostros. Desde el primer momento se les reconoció y aunque el trío siempre lo negó, las evidencias eran escandalosas. Por ejemplo el cantante de The Network se llama Fink, a ver si adivináis, ¿quién usa de vez en cuando el seudónimo de Wilhem Fink? ¿A que no sabéis que banda con un nombre muy verde compuso una canción titulada The Ballad of Wilhelm Fink para el recopilatorio Short Music for Short People? Pero vamos, puras coincidencias.

The Network parecía una mera diversión. Tan solo publicaron un álbum y dos DVD. Pero aunque estuvieron poco en activo llegaron a abrir un concierto para Green Day durante el American Idiot Tour en 2005. ¿Otra casualidad? Por si con las fotos no os queda claro, os dejamos su álbum bajo estas líneas. Ya nos diréis qué pensáis al respecto, a nosotros nos parece estupendo. Si con esto se desfogan y después nos componen otro buen disco, que toquen encapuchados todo lo que les apetezca.

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Durante los años anteriores al lanzamiento de American Idiot (además de disfrazarse) nuestro trío siguió trabajando y no se mantuvieron tan desconectados del mundo como en otras ocasiones. En noviembre del 2003 colaboraron con dos canciones para Skull Ring, un álbum de Iggy Pop en el que aportaron su granito de arena en Private Hell y Supermarket. En la primera se ve más influencia del extravagante Iggy y en la segunda nos muestran esa garra de Green Day a la que Pop se adapta a la perfección. En 2004 publicaron un sencillo con un cover para I Fought the Law de The Crikets.

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Un mes antes del publicar American Idiot ya nos dieron pistas de por dónde iban a ir las cosas. En colaboración con otros grupos como NOFX, Bad Religion, Rancid o The Bouncing Souls, Green Day participó en Rock Against Bush volumen 2. Para el álbum, que sería lanzado por Fat Wreck Chords, la discográfica de Fat Mike (NOFX), aportaron Favorite Son en la que las letras son una dedicatoria amorosa al señor Bush (como todo el disco en general). Los chicos se volvían a encarar al poder, la diferencia estaba en que esta vez no era solo era rabia acumulada, se habían comenzado a fijar en todo lo que les rodeaba. Con todo esto se demostraba que tenían ganas de seguir haciendo cosas, de superar el bache y volver a aportar algo.

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«Favourite Son»

American Idiot (2004)

Dejando aparte esos pequeños proyectos, que a nuestro parecer sirvieron a la banda para tener un poco de respiro, volvemos a Green Day y sus andanzas encerrados en el estudio. Para el año 2003, según le contaban a los medios, ya tenían grabadas unas doce canciones para un álbum que llevaría el nombre de Cigarettes and Valentines. Este disco jamás vería la luz. Según comunicó la banda alguien robó de los estudios las copias maestras de este álbum. Años después todavía sigue abierto un debate sobre si de verdad el álbum fue robado o simplemente lo dejaron de lado por no estar completamente satisfechos. Esta será posiblemente una de las grandes dudas que no podremos despejar y este disco quedará para estar en las listas de los grandes álbumes perdidos. Una de sus últimas apariciones ha sido en la lista que ha hecho Gibson de los diez grandes discos que han quedado olvidados.

Con este disco nos lo dieron todo

Tras el supuesto robo, el trío se encontraba en una encrucijada: ¿volver a grabar algo que no les convencía o empezar desde cero? De nuevo recurrieron a Rob Cavallo para despejar sus dudas. El productor les preguntó si eso era lo mejor que podían hacer. Las respuesta fue no, por ello decidieron volver a empezar. Esta vez se tomarían las cosas desde otro punto de vista, mucho más relajados. Según declararían posteriormente a los medios, en la época en la que se estaba componiendo el álbum, Billie Joe estaba lleno de dudas y le costaba comunicarse con Tré y Mike. No compartía las canciones con ellos y eso afectaba de forma muy negativa al proceso. Llegados a este punto decidieron cambiar completamente y volver a los inicios, a cuando componer era fácil. Según contaba Mike:

“Billie called me and said, ‘do you wanna this any more?’” […] “I said, ‘yes but you got to let us in. You’ve got to consult us’”

“Billie me llamo y dijo, ¿quieres volver a hacer esto?” […] “Yo dije, ‘si pero nos tienes que dejar participar. Nos tienes que consultar’”

Aunque imaginamos que la conversación fue mucho más amplia, lo que está claro es que funcionó. Con este cambio de mentalidad siguieron trabajando y comenzaron a componer hasta que se juntaron con un conjunto de temas nuevos. De esas canciones surgiría American Idiot que se publicó cuatro años después de su predecesor. En un momento en el que todo el mundo daba por perdido el futuro de Green Day, resurgieron de sus cenizas presentando un álbum que fue etiquetado como ópera punk y que desde el principio encantó a todo el mundo. Los medios volvieron a quererles y prestarles toda su atención, el disco fue un éxito a nivel comercial y cada sencillo era un nuevo hit. Habían vuelto.

Rolling Stone más green que nunca

De nuevo estaban en boca de todos y esta vez tuvieron que asimilar que ya no eran los muchachos de suburbios que hacían punk ruidoso. Se habían convertido en estrellas de rock. Todo el éxito les haría entrar en una dinámica que, a la larga, les pasaría factura. Pero ya sabéis chicos, es muy complicado ser una estrella del rock. Según ellos todo parecía irreal y pasaron años antes de que se dieran cuenta de lo que estaba pasando, o eso vemos reflejado en estas palabras de Billie Joe para la revista Kerrang:

“We Know we had the music to maybe take us to that level, but to find ourselves at that level was something else. It was like, ‘Wow, we got there!’”

“Sabíamos que teníamos la música que quizás nos llevaría a este nivel, pero encontrarnos en ese nivel era otra cosa. Era como, ‘Wow, hemos llegado!’”

El primer tema que compusieron para este álbum fue American Idiot, una canción que intentaba dar una visión de cómo los medios manipulan la información, la administración política del momento y el estilo de vida estadounidense. El resto, en el que se siguen viendo críticas a la política de la administración Bush y a su sociedad, se les haría más complicado. Aunque parece fácil cuando ellos lo cuentan: Mike se presentó en el estudio con un tema de unos 30 segundos, el resto de lo escucharon e hicieron pequeñas composiciones. De la sucesión de las diferentes partes acabaría surgiendo Homecoming y después Jesus of Suburbia. Lo mezclas todo, lo sazonas y te sale un disco que te reportará ventas millonarias.

Tras ver todo lo que habían compuesto, decidieron hacer un álbum conceptual en el que se contaría la historia de tres personajes: Jesus of Suburbia, St. Jimmy y Whatsername. Todas las canciones se relacionan, son una sucesión que narra una historia, se entrelazan de tal forma que dos de ellas llegan a tener cinco partes diferentes y unos nueve minutos de duración. En las letras, mucho más maduras, podremos encontrar intrínsecos los problemas de la sociedad en la que vivían, contados a través de estos tres personajes. Una nueva perspectiva de las impresiones de la banda sobre su país que todavía estaba intentando lidiar con las consecuencias y la paranoia después de los ataques del 11 de septiembre.

La portada del álbum también refleja ideas políticas, de hecho el diseño se basó en la propaganda comunista China. Para realizarlo volvieron a contar con Chris Bilheimer que ya había colaborado en las portadas de Nimrod e International Superhits! Para crear la imagen de la portada se basó en la letra de She’s a Rebel, más concretamente en el verso “And She’s holding on my heart like a hand grenade” . Mezcló esto con la influencia del póster de la película The Man With the Golden Arm (1955) de Saul Bass’s, para acabar creando ese brazo alzado sujetando una granada con forma de corazón con un color rojo intenso.

El álbum dejó a años luz de distancia al resto. Además de cambiar radicalmente la estructura de las canciones, el disco y su historia son atípicos en todos los sentidos. La historia la protagoniza Jesus of Suburbia, un anti,héroe que huye de su pueblo para irse a la ciudad donde verá como su destino se entrelaza con el de St. Jimmy, un punki que lucha con todas sus fuerzas por la libertad y Whatsername toda una revolucionaria. La masturbación y los problemas adolescentes han quedado atrás. Este álbum va más allá de lo que habíamos visto hasta entonces en sus carreras. Querían hacernos pensar. Mike Dirnt se lo explicaba claramente a Associated Press:

“It is. This álbum is saying that you’re losing your individuality. You’re being misrepresented. It says that I don’t know what I want, but I know I don’t want to be an American Idiot”

“Eso es. Este disco está diciendo que estás perdiendo tu individualidad. Estas siendo manipulado. Dice que no sé lo que quiero, pero sé que no quiero ser un americano idiota”

American Idiot nos dejó cinco sencillos que fueron cinco grandes éxitos. El primero de ellos fue American Idiot que se lanzó en dos ediciones, en una se incluían los temas Shoplifter y Governator y en otro en el que se incluía Too Much Too Soon. Después se publicaría Boulevard of Broken Dreams, el sencillo que más éxito ha tenido de su carrera y también uno de los más oscuros en temática (la soledad). Siguieron Holiday, Wake Me Up When September Ends y Jesus of Suburbia. Del resto, qué podemos decir que no sepáis, geniales temas todos. Nombraremos con cariño Extraordinary Girl/Letterbomb, Homecoming (con todas y cada una de sus partes) o las guitarras de Whatsername. Aunque lo ideal y recomendable para que todo tenga sentido es que escuchéis el álbum entero.

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Como no, el séptimo álbum de Green Day también nos trajo varios vídeos. El primero fue para American Idiot, en él se recorría todo el catálogo de posturas que se pueden hacer delante de una bandera americana y empapados en un fluido verde. En el de Holiday, Tré nos enseñó su mejor cara (vestido de mujer y haciendo volteretas laterales). El anterior se filmó como la primera parte de Boulevard of Broken Dreams en el que el trío termina un alocado viaje en coche y comienza un paseo andando hacía el declive.

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Después siguió el vídeo para Wake Me Up When September Ends. Siete minutos en el que se recorre la historia de una pareja rota cuando él decide irse a la guerra. Este clip tuvo cierta polémica entre los fans debido a que Jason White aparecía junto a ellos en los momentos en los que se les ve tocando desde unas plataformas blancas, pero la canción siguió siendo un éxito absoluto. Por último, pudimos ver el vídeo para Jesus of Suburbia que tiene dos versiones dirigidas por Samuel Bayer, una más larga y una más corta en las que se cuenta la historia de Jesus. A Green Day solo los podemos ver en una televisión en imágenes en blanco y negro que forman parte de las publicadas en el DVD Bullet in a Bible.

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American Idiot es una historia épica y marginal que al final acabó convirtiéndose en un musical. Es increíble, si a principios de los 90 alguien nos hubiera dicho que Green Day acabaría teniendo su propio musical, nadie habría dado crédito a estas palabras. Pero también pasó. El espectáculo se estrenó en septiembre de 2009 en el Berkeley Repertory Theatre dirigido por Michael Mayer. Y cosechó buenas críticas y bastantes éxitos, llegó a Broadway e incluso se llevó un Tony al mejor diseño escénico. En él se incluyen todos los temas de American Idiot (incluyendo las caras B) y algunas canciones de 21st Century Breakdown, el sucesor de American Idiot.

Green Day aportó sus ideas y exigió que hubiera una banda de rock tocando en directo por lo que la representación se mezcla con la magia de los conciertos. Billie Joe ha llegado a participar haciendo el papel de St. Jimmy en algunas ocasiones y en general fue un éxito absoluto, tanto que en 2010 se grabó una versión de estudio de la banda sonora en el que Green Day colaboró con el reparto del musical. Se tituló American Idiot: The Original Broadway Cast Recording. De este álbum se lanzó un sencillo 21 Guns, que tenía como cara B When It’s Time, uno de los temas que fueron desechados para la versión final de American Idiot. Haciendo un poco de spoiler y como adelanto (todavía no hemos comentado el álbum al que pertenece) os dejamos con esta estupenda versión de 21 Guns.

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American Idiot les reportó numerosos premios y consiguió llegar a Broadway. Pero ahí no acaba todo. Este álbum todavía podía dar de más de sí: de él se especula acabará saliendo una producción cinematográfica, o eso es lo que comenta desde hace unos años. En 2011 se confirmó que la película seguiría adelante bajo la dirección de Michel Mayer, producida por Green Day y Playtone (la productora de Tom Hanks). Por ahora, parece ser que el proyecto está bastante verde, por lo que tendremos que esperar bastante hasta que podamos disfrutar de American Idiot en una gran pantalla. Estaremos pendientes, que con estos tres uno nunca sabe qué se puede esperar.

¿Se animará Billie a dar el salto a la gran pantalla?

¿Pensáis que eso era todo lo que se podía sacar de American Idiot? Todavía hay más. De la extensa gira de este álbum, en la que Jason White se convirtió en un habitual, saldría un nuevo lanzamiento. Del American Idiot Tour saldría Bullet in a Bible, un CD/DVD en el que se incluía un concierto en el Milton Keynes National Bowl de Londres, uno de sus shows más multitudinarios, en el que se pusieron frente a 130.000 personas. El DVD fue dirigido por Samuel Bayer e incluye el concierto, entrevistas, reportajes y material sobre la banda.

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Ese directo fue uno de los más importantes en su carrera. Cabe mencionar que les trajo buenas críticas, pero también les reportó un problemilla con el señor Brandon Flowers que veía fatal que alguien no quiera ser un “Americano idiota» en sus tierras. El concierto supuso un cambio: les hizo darse cuenta de toda la locura de su éxito, o eso podemos extraer de las palabras de Billie Joe:

“The Milton Keynes date was a big highlight for us” […] “We really had no idea what our carrer was going to be or if we were going to have a career when we first started. All we knew that we would enjoy playing these songs when we were older, that they would make sense. It´s been such a good year it´s weird but a little bit of chaos never hurt anybody”

“La fecha del Milton Keynes fue un momento muy importante para nosotros” […] “Realmente no teníamos ni idea de a dónde iban nuestras carreras o si tendríamos una carrera cuando empezamos. Todo lo que sabíamos era que disfrutaríamos tocando esas canciones cuando fuéramos mayores, que tendrían sentido. Ha sido un año tan bueno que es raro, pero un poco de caos no hace daño a nadie”

American Idiot les catapultó de nuevo a la cima. Se reencontraron con muchos de sus antiguos fans, que veían que los Green Day de antes seguían estando ahí, y además ganaron nuevos adeptos. Este álbum, que también les costó un encontronazo con Noel Gallagher, fue tan importante que a partir de su publicación su club de fans oficial comenzaría a llamarse Idiot Club. ¿Qué paso después de American Idiot? Pues que Green Day se aficionaron a la ópera. Pero chicos, eso lo dejamos para el próximo especial.

Especial Green Day:
Los inicios | Dando el salto | Cómo perder el sueño | La crisis | Una noche en la ópera | Continuará…
Green Day: Página oficial | Facebook | Twitter | Last.fm

¿Nos habéis echado de menos? ¿Qué os van pareciendo nuestros especiales? Por si todavía no habéis tenido bastante, aquí os traemos más. En nuestras dos primeras entradas hemos conseguido repasar los inicios y la llegada al éxito de los chicos de Green Day. Pero todavía nos quedan cosas por desmenuzar. En esta ocasión nos toca hablar de las andanzas del trío entre Dookie y American Idiot, sus álbumes con más éxito hasta el momento (por ahora las cosas parece que van a permanecer así hasta que saquen el número 12). ¿Queréis saber si hubo vida después de Dookie? Ya sabéis que sí, pero vamos verlo.

Grandes momentos en la historia del rock, siempre hay una bañera de por medio

Tras la resaca de su éxito, Green Day tenían claro que estaban en un buen momento (o eso pensaban) y que debían seguir produciendo material. Tras su tercer largo, lo primero que sacaron fue un sencillo que había sido desestimado en las sesiones de grabación del mismo. El single se tituló J.A.R. (acrónimo de Jason Andrew Relva) y era un homenaje a un amigo de Mike Dirnt que murió con tan solo 19 años de edad en un accidente de tráfico en 1992. Si habéis echado las cuentas (a los de letras ya sabéis que nos cuesta) os habréis notado que este año se cumplía el veinte aniversario de este hecho que Mike Dirnt (que tiene su conrazoncito) lo recordó a través de su cuenta de twitter (es uno de los tres tweets que ha escrito hasta ahora), todo un detalle después de tanto tiempo. El emotivo tema, que en nuestra opinión no debía haber sido descartado del tracklist de Dookie, formó parte de la banda sonora de la película Angus. Fue la primera colaboración de Green Day con el mundo del cine y del espectáculo, pero (como ya os contaremos) no la última.

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Insomniac (1995)

El tiempo iba pasando y los niñatos se iban haciendo mayores. Y esto, acabaría por reflejarse en su trabajo aunque seguían luchando duramente para seguir pareciendo un poco desarrapados. Billie Joe (según ha declarado en numerosas ocasiones) compone en base a sus experiencias personales, y estas se ven reflejadas en todos sus trabajos. En la época en la que se estaba gestando Insomniac, Billie acababa de ser papá de su primer hijo y dormía bastante poco (de la falta de sueño viene el nombre del álbum). Las letras de este álbum son más oscuras y dejan entrever que la pre-adolescencia por fin está quedando atrás para dar paso canciones más reflexivas y a quebraderos de cabeza del tipo, ¿y ahora qué? En esta ocasión las drogas, el miedo y la alienación pasan a un primer plano junto con el tema de estar perdido en general. Eso es lo que tiene hacerse mayores, no sabes a dónde ni a qué vas a llegar.

Como veis, la portada también es mucho más sombría que las que habíamos visto con anterioridad. Las imágenes que aparecen podrían haber salido de una pesadilla o del sueño de un chiflado. En la realidad salieron de las manos de Winston Smith que tampoco durmió mucho al hacerlo, por lo que tras su presentación, también influyó a que el disco se llamará Insomniac y no Tight Wad Hill como se pretendía en un principio. Su collage original se tituló God Told Me To Skin You Alive (haciendo referencia a la canción I Kill Children de Dead Kennedys) y fue modificado sutilmente para adaptarse a los gustos de Green Day. La mujer de la portada cambiaría su guitarra acústica por la mítica Blue de Billie Joe.

El álbum no fue bien acogido por la crítica y recibieron palos por doquier. Comenzaron a surgir comentarios que decían que era una mera (y mala) continuación de Dookie, bajo nuestro punto de vista, ni punto de comparación (pero ya sabéis, opinar es gratis). Este álbum es menos comercial, más oscuro, pero sin llegar a ser depresivo. Los mismos Green Day de guitarras rápidas algo influenciados por lo que se estilaba en aquel momento. Recordad que el grunge y las agonías cantadas por el señor Cobain todavía estaban en pleno auge, y esto se notaba en la música de la época. Igualmente hubo algunos que dijeron que Green Day eran una alternativa precisamente a esto y otros simplemente les llamaron repetitivos. ¿Se habían estancado después del brutal éxito de su anterior trabajo? Eso es lo que debía pasar en aquellos momentos por sus cabezas y por las de muchos otros.

Los medios españoles también les dedicaban bonitos titulares

Insomniac no consiguió vender tantas copias como su predecesor, pero no fue un fracaso absoluto, consiguió ser doble disco de platino y a muchos nos parece uno de los mejores discos de la formación (está bien, me lo parece a mí en particular). De él se extrajeron cuatro sencillos: Geek Stink Breath, Stuck With Me, Brain Stew/Jaded (no os perdáis el cover de Brain Stew que hizo Weezer para el Record Store Day de 2010) y Walking Contradiction. Aunque no debemos dejar olvidados grandes temas como Panic Song, cuya intro sigue causando delirios cada vez que suena, o canciones como 86, año al que ya sabéis que no hay vuelta. Al 95 tampoco, aunque algunos deberían recordarlo más a la hora de seguir produciendo discos.

De los sencillos también se publicaron sus respectivos vídeos. En el de Geek Stink Breath el protagonista vivía un buen viaje gracias a la anestesia, pero a nosotros se nos encoje hasta el alma solo de ver esa extracción dirigida por Mark Kohr. El de Stuck With Me es bastante original y aunque el trío salga en blanco y negro, las partes del mosaico de la portada del álbum se animan a seguirles el ritmo. Las imágenes para Brain Stew/Jaded tienen dos partes al igual que la canción (que en el fondo son dos) la primera en sepia grabada en un vertedero y la segunda en color con ellos tocando como auténticos desquiciados. Por último llegó el entretenido vídeo para Walking Contradiction, que no es uno de los mejores temas del álbum, pero al menos tiene un vídeo divertido en el que Mike, Tré y Billie van causando catástrofes allá donde van.

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Insomniac les dejo con el ego tocado y cansados a nivel físico. Durante esta época Billie Joe sufría ataques de pánico y el resto de la banda parecía estar exhausta. La larga gira de promoción del álbum tampoco les ayudó. Todo ello les llevaría a cancelar sus conciertos por Europa y acabar la era de Insomniac casi sin pena ni gloria. Al menos dejaban una nota de esperanza, lo dejaban para comenzar a escribir su próximo álbum. Un año después de su salida de los escenarios, volvieron a la carga con dos directos Foot in Mouth un álbum lanzado en Japón y el EP Bowling Bowling Bowling Parking Parking. Ambos no dejan de ser dos simples directos de una banda cansada. Durante un tiempo se mantuvieron alejados de la música destinando tiempo a sus asuntos personales y a proyectos alternativos. No querían dejarlo, pero había llegado la hora de buscar nueva inspiración.

Nimrod (1997)

Aunque parecían bajos de forma, no dejaron de trabajar y decidieron centrarse en buscar cosas nuevas. Había que dejar a un lado (o al menos un poco) el pop punk para acercarse a otros sonidos. Necesitaban un lavado de cara, dejar de cansar con lo mismo de siempre, superar Dookie y los traumas de Insomniac, todo ello intentando no perder la energía que les caracterizaba. ¿Y cómo resolver todo esto? Pues introduciendo nuevos elementos y sonidos diferentes y tan innovadores como el de la armónica. Había que dejar atrás de una vez la vieja estructura de tres acordes. En una entrevista para NY Rock en 1998 Billie Joe afirmó:

“We knew that we wanted to record a different album and not another version of Insomniac. If we wouldn’t take the challenge, we’d end up like some old punk rockers, playing the same stuff over and over… I don’t want to mention names but the guys will know who we’re talking about. A fate worse than death.”

“Sabíamos que queríamos grabar un álbum diferente y no otra versión de Insomniac. Si no podíamos aceptar el desafío, quedaríamos como unos viejos punk rockers, tocando lo mismo una y otra vez… No quiero mencionar nombres, pero la gente sabrá de quién estamos hablando. Un destino peor que la muerte.”

¿Qué nos querra decir Mike?

Nimrod provocó diversas reacciones, aunque por norma general a los fans les gustó y a la crítica le extrañó. El álbum supuso un cambio, por fin nos iba mostrando una de sus caras más maduras y como eran capaces de introducir nuevos elementos. ¿A quién no le gustan las trompetas (tocadas por Gabrial McNair y Stephen Bradley de No Doubt) de King for a day? Al final el álbum se caracterizó por su diversidad musical y por esos detalles que diferenciaban a algunos de sus temas como por ejemplo los violines que aparecen en los primeros acordes de Hitchin’ a Ride.

En esta ocasión la lírica es un poco más profunda, pero poco. Se siguen tratando temas como el miedo a hacerse mayor, pero ya desde un punto más reflexivo. Durante las diferentes entrevistas que dieron en aquella época incidieron en la necesidad de cambiar, algo que ya llevaban pensando desde hacía un tiempo. ¿Será que ellos mismo se veían estancados? Hasta en los medios españoles hablaban de lo necesario del cambio según se extrae de las palabras de Armstrong en una entrevista con MondoSonoro (1 de octubre de 1997):

«Realmente el hecho de vender millones y millones de discos es algo secundario. Nosotros ya tenemos una base de fans, y lo que pueda ocurrir luego es algo que se escapa a lo que nosotros hagamos. Además, si yo voy a comprar un disco de mi grupo favorito, lo que busco son nuevas canciones, y no canciones que suenen como las viejas. Sería estúpido hacer otra Basket Case y otra Longview…”

El disco se grabó en los Conway Studios de Los Ángeles. Este fue el álbum que más tiempo tardaron en producir. El proceso duró cuatro largos meses en los que los componentes de Green Day pagaban su frustración unos con otros y parecían estar algo más desquiciados de lo habitual. Durante el tiempo que estuvieron grabando en Los Ángeles se hospedaron en el Hotel Sunset Marquis donde tuvieron que acabar siendo supervisados debido a que se dedicaban a montar altercados y molestar al resto de los que se hospedaban en el hotel.

Finalmente el tracklist trajo una mezcla explosiva. Se incluyó por primera vez una canción completamente instrumental, que podía servir perfectamente de hilo musical en cualquier ascensor de centro comercial que se precie. Nos referimos, por supuesto, a Last Ride In. Más parecido a lo que ya habíamos escuchado hasta aquel entonces estarían temas como Jinx o Haushinka, aunque también tenemos algo más hardcore en canciones como Playtipus o Take Back. Para nosotros, de este álbum, la más divertida es King for a Day que pasaría a ser una habitual de sus grandes conciertos. Nimrod es extrañamente inusual, hay demasiado de todo, parece un grito desesperado de una banda que no sabe muy bien a dónde quiere ir ni cómo centrarse. Más de 15 temas en que se abarcan diferentes estilos y no se define nada concreto. Algunos se convirtieron en verdaderos éxitos, pero ¿habían conseguido un buen álbum? Eso amigos, es cuestión de opiniones.

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Es cierto que Nimrod les aportó verdaderos éxitos. Good Riddance (Time of Your Life) fue uno de ellos. Un tema más comercial y en acústico, que pudimos escuchar en un capítulo de Urgercias y que puso el broche final a Seinfield. La canción cosechó éxito en esta época, pero ya estaba compuesto desde el año 90. Billie Joe se la enseñó a sus compañeros en las sesiones de grabación de Dookie, de hecho fue una de las caras B lanzadas con Brain Stew/Jaded, la diferencia está en que en aquella primera versión el tempo de la canción es diferente y a la nueva se le sumaría una sección de cuerda. Como no encajaba muy bien con sus álbumes anteriores, finalmente acabaría saliendo con este álbum donde un sonido nuevo encajaba mucho más. Según declararía Billie Joe años después para la revista Guitar World (diciembre 2000), les ayudó en su carrera:

«I think ‘Time of Your Life’ has really freed us, in a lot of respects, to be able to do different things. To get into more sensitive content without feeling like you’re selling yourself out. Or that you’re doing something because you need a hit.»

“Creo que Time of Your Life realmente nos ha liberado, en muchos aspectos, para ser capaces de hacer cosas diferentes. Para entrar más en el contenido sensible sin sentir que te estás vendiendo. O que estás haciendo algo porque necesitas un gran éxito”

De este álbum se sacaron cuatro sencillos. Hitchin’ a Ride que se publicó a la venta con dos nuevas canciones Sick y Espionage, otro tema instrumental con trompetas (al más puro estilo de espías británicos) que acabaría formando parte de la banda sonora de Austin Powers: la espía que me achuchó. Por último salieron Good Riddance (Time of Your Life), Redundant y Nice Guys Finish Last. También se lanzaron nuevos vídeos que están ligeramente más elaborados que los anteriores. Hitchin’ a Ride, dirigido por Mark Kohr, muestra todo un espectáculo de variedades en el que el trío se ve inmerso mientras toca su tema y sigue temiendo hacerse mayor hasta que un mosquito revoltoso acaba con todo.

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Para Good Ridance (Time of Your Life), como pegaba con el tema, hicieron algo más tierno. Tanto la canción como el vídeo nos llevan a la nostalgia de los días mejores, aunque Billie Joe parece más enfadado que nostálgico (será por haber perdido a su novia). Después vino Redundant, el croma y los bucles de cosas que suceden una y otra vez hasta que alguien rompe el ciclo (al menos una de esas cosas es Dita Von Teese quitándose el vestido, pensaran muchos con alivio). Nuestra canción favorita, Last Ride In, también tuvo un vídeo con diferentes imágenes de la banda en directos o ensayando, de nuevo, otro de los clips más divertidos de la historia de Green Day. Para Nice Guys Finish Last se usó un tono humorístico para narrar un juego en el que un partido de fútbol americano y un concierto se mezclan con toda su locura y celebraciones correspondientes.

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En sus directos, no dejaron de mostrar su mejor cara. Su gira comenzaría con un acto promocional en noviembre de 1997 en la tienda Tower Records en Nueva York y allí la volvieron a liar, como recogería MTV en sus noticias. Tras tocar nueve canciones y al grito de “You can start a riot” («podéis comenzar un disturbio»), Billie Joe decidió que era el momento de que la gente se animara al vandalismo. Durante la velada hicieron un enorme Fuck You pintadas en las paredes y las cristaleras, tiraron cerveza sobre los CDs, les enseñaron el culo a los fans, Tré destrozó parte de su batería e incluso Billie se propuso acabar con un monitor de ordenador (pero le pararon en el último momento). Había que dar constancia, escribían baladas, pero seguían siendo punkis. De aquel día no hemos encontrado imágenes, pero os dejamos con una parte de uno de sus conciertos en vivo de ese año, para que veáis qué tal lo hacían los chicos por aquel entonces. En este se portaron bien, que estaban en el Show de Letterman.

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Por ahora, nos vamos a quedar aquí para no cansaros más, que a estas alturas ya os tiene que salir Green Day por las orejas. Warning e International Superhits! se quedan para la siguiente entrega en la que seguiremos contándoos qué fue de los californianos con el inicio de siglo.

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